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Ascolto Poetico

21 giugno ore 15:00

 

La performance Ascolto Poetico © è un’idea originale nata nel 2023 dalla collaborazione tra ZERA e PossodopoPosso: è un’esperienza site-specific collettiva e inclusiva, che stimola la condivisione di racconti personali per trasformarli in atti creativi, in cui artisti e spettatori collaborano. L’esperienza prevede una serie di regole di attuazione basate su elementi simbolici, al fine di formare uno spazio protetto, che favorisce la nascita della creazione collettiva. Una struttura vuota cubica senza pareti funge da spazio scenico, che accoglie un narratore, scelto tra il pubblico, che condivide un racconto improvvisato, e 3 artisti che ascoltano e restituiscono una performance con i propri linguaggi espressivi; 21 spettatori seduti in cerchio intorno al cubo sono testimoni empatici e contribuiscono alla creazione collettiva; un’artista rimane esterno al cerchio e funge da facilitatore.

 

Per tutti, artisti, narratori,

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Ascolto Poetico

21 giugno ore 15:00

 

La performance Ascolto Poetico © è un’idea originale nata nel 2023 dalla collaborazione tra ZERA e PossodopoPosso: è un’esperienza site-specific collettiva e inclusiva, che stimola la condivisione di racconti personali per trasformarli in atti creativi, in cui artisti e spettatori collaborano. L’esperienza prevede una serie di regole di attuazione basate su elementi simbolici, al fine di formare uno spazio protetto, che favorisce la nascita della creazione collettiva. Una struttura vuota cubica senza pareti funge da spazio scenico, che accoglie un narratore, scelto tra il pubblico, che condivide un racconto improvvisato, e 3 artisti che ascoltano e restituiscono una performance con i propri linguaggi espressivi; 21 spettatori seduti in cerchio intorno al cubo sono testimoni empatici e contribuiscono alla creazione collettiva; un’artista rimane esterno al cerchio e funge da facilitatore.

 

Per tutti, artisti, narratori, spettatori, l’esperienza accade nel momento presente.

 

Prima delle repliche della performance condivisa (nei mesi di giugno, luglio e settembre), si propone una formazione specifica per gli artisti che desiderano partecipare all’esperienza: la formazione ha l’obiettivo di affinare la capacità di percepire, di entrare in un ascolto profondo e autentico, di fare esperienza di una restituzione poetica ripulita dal proprio ego. L’artista si allena a farsi tramite di storie non sue.

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LE MANTE

martedì 18 giugno

ore 18:00

 

Martedì 18 giugno sarà presentata una tappa del progetto LE MANTE – incursioni performative nel paesaggio urbano fra mercati e tramonti, progetto vincitore del Bando Estate Fiorentina 2024.

LE MANTE

martedì 18 giugno

ore 18:00

 

Martedì 18 giugno sarà presentata una tappa del progetto LE MANTE – incursioni performative nel paesaggio urbano fra mercati e tramonti, progetto vincitore del Bando Estate Fiorentina 2024.

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Robert Kearns

Robert Kearns attended Long Island University in Brookville, New York, where he received his BFA in Film.  Following his freshman year, Robert spent the summer in Wilmington, North Carolina, working as a production assistant on the David Lynch film, Blue Velvet. After graduating from college in 1989, Robert relocated to Los Angeles, where he began working full-time in film and television production. He served as a production assistant on an NBC TV movie, Sweet Bird of Youth, starring Elizabeth Taylor and Mark Harmon, followed by Good Sports, a CBS sitcom starring Ryan O’Neal and Farrah Fawcett. Beginning in 1991, he served as Post-Production Coordinator on Roc, starring Charles Dutton, which aired on Fox Television for three years. He next served as Post-Production Supervisor on the sitcom, The Last Frontier, also for Fox Television. His next effort was coordinating production on the UPN sitcom, Moesha, starring Brandy. Following Moesha, he served five years as Associate Producer on

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Robert Kearns attended Long Island University in Brookville, New York, where he received his BFA in Film.  Following his freshman year, Robert spent the summer in Wilmington, North Carolina, working as a production assistant on the David Lynch film, Blue Velvet. After graduating from college in 1989, Robert relocated to Los Angeles, where he began working full-time in film and television production. He served as a production assistant on an NBC TV movie, Sweet Bird of Youth, starring Elizabeth Taylor and Mark Harmon, followed by Good Sports, a CBS sitcom starring Ryan O’Neal and Farrah Fawcett. Beginning in 1991, he served as Post-Production Coordinator on Roc, starring Charles Dutton, which aired on Fox Television for three years. He next served as Post-Production Supervisor on the sitcom, The Last Frontier, also for Fox Television. His next effort was coordinating production on the UPN sitcom, Moesha, starring Brandy. Following Moesha, he served five years as Associate Producer on The Steve Harvey Show, which aired on the WB Network. Later, he served as Associate Producer on Cedric the Entertainer Presents, which aired on Fox Television for one season. He was also an Associate Producer on The New Ellen Show, a television pilot starring Ellen DeGeneres.Robert currently is the Director of Teen 2 Teen Video & Theatre, a youth program offered to teenagers by the City of Burlington Recreation & Parks Dept. He is also producing and directing a documentary film about Brief Encounter, a popular 1970’s soul band that originated from N. Wilkesboro, N.C. His work has been heavily influenced by the video artist, Knox Harrington.

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Lauren Kearns

Lauren Kearns is a Professor of Dance, the Director of Dance Science, former Department Chairperson, and the Founding Coordinator of the BFA Dance Program and the BS Dance Science Program at Elon University, Elon, North Carolina, USA. Kearns has presented her creative and dance science research at national and international dance conferences since 2000 and taught at Dance Ireland in Dublin, Ireland, as part of their Healthier Dancer Days in 2018, 2020, and 2022. She is the author of Somatics in Action: A Mindful and Physical Conditioning Tool for Movers, published by Handspring Publishing and released in October of 2017. Kearns has received over forty-five grants, fellowships, and awards to support her artistic and scholarly projects and is an international choreographer having composed over fifty professionally produced concert pieces. Kearns’ dual research agenda is situated in the fields of dance science and contemporary dance. Her dance science research focus is on the ap

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Lauren Kearns is a Professor of Dance, the Director of Dance Science, former Department Chairperson, and the Founding Coordinator of the BFA Dance Program and the BS Dance Science Program at Elon University, Elon, North Carolina, USA. Kearns has presented her creative and dance science research at national and international dance conferences since 2000 and taught at Dance Ireland in Dublin, Ireland, as part of their Healthier Dancer Days in 2018, 2020, and 2022. She is the author of Somatics in Action: A Mindful and Physical Conditioning Tool for Movers, published by Handspring Publishing and released in October of 2017. Kearns has received over forty-five grants, fellowships, and awards to support her artistic and scholarly projects and is an international choreographer having composed over fifty professionally produced concert pieces. Kearns’ dual research agenda is situated in the fields of dance science and contemporary dance. Her dance science research focus is on the application of somatic theories to dance training, performance, and injury prevention as well as the utilization of dance to promote health and wellness. Her contemporary dance research is centered on how site-specific dance making in global contexts can foster community engagement and understanding of disciplinary, geographical, and cultural contexts.

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Memory of Omens reimmagina il mito di Orfeo attraverso uno sguardo femminista, traendo ispirazione dalla poesia di Alda Merini  “La presenza di Orfeo” e da RIVA, un poliedrico progetto artistico promosso dall’Associazione Mus.e e sviluppato da Murate Art District sotto la direzione di Valentina Gensini. Questa performance di danza intreccia sottili movimenti gestuali, complessi pattern spaziali e collaborazioni atletiche, con un video di danza girato sulle rive del fiume Arno e per le strade di Firenze, come Via Dell’Inferno, Via Del Purgatorio e Via Del Limbo. Come il fiume, che nutre e consuma allo stesso tempo, la nostra performance esplora la natura ciclica di vita e morte, luce e buio, caos e calma. Attraverso il potere della creatività e della prospettiva femminile, ci immergiamo nelle fluide dinamiche dell’esistenza, riecheggiando il costante flusso e riflusso che definisce sia il mondo naturale, sia l’esperienza umana.

 

 

Memory of Omens reimmagina il mito di Orfeo attraverso uno sguardo femminista, traendo ispirazione dalla poesia di Alda Merini  “La presenza di Orfeo” e da RIVA, un poliedrico progetto artistico promosso dall’Associazione Mus.e e sviluppato da Murate Art District sotto la direzione di Valentina Gensini. Questa performance di danza intreccia sottili movimenti gestuali, complessi pattern spaziali e collaborazioni atletiche, con un video di danza girato sulle rive del fiume Arno e per le strade di Firenze, come Via Dell’Inferno, Via Del Purgatorio e Via Del Limbo. Come il fiume, che nutre e consuma allo stesso tempo, la nostra performance esplora la natura ciclica di vita e morte, luce e buio, caos e calma. Attraverso il potere della creatività e della prospettiva femminile, ci immergiamo nelle fluide dinamiche dell’esistenza, riecheggiando il costante flusso e riflusso che definisce sia il mondo naturale, sia l’esperienza umana.

 

 

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UN MANIFESTO CONDIVISO PER LO SVILUPPO DEL WELFARE CULTURALE

 

L’incontro è dedicato alla definizione condivisa di un set di proposte utili a sviluppare le prossime azioni in materia di accessibilità e inclusione per il sistema culturale delle due
regioni, nel più ampio quadro degli obiettivi di policies per il welfare culturale. La scelta dei temi guida e degli strumenti su cui le attività si concentreranno, così come le modalità operative, sono frutto di un’attenta rilettura degli esiti del percorso dei mesi passati, effettuata dai team delle due regioni e da Promo PA Fondazione.
La co-progettazione si svolgerà in modalità laboratoriale, con i partecipanti divisi in tavoli di lavoro.

Laboratorio finale di “Progettare per le persone: per una cultura accessibile” | Emilia-Romagna e Toscana
L’incontro conclusivo del percorso di formazione e networking svolto in Emilia-Romagna e in Toscana da novembre 2023 a giugno 2024 sarà l’occasione per produrre insi



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UN MANIFESTO CONDIVISO PER LO SVILUPPO DEL WELFARE CULTURALE

 

L’incontro è dedicato alla definizione condivisa di un set di proposte utili a sviluppare le prossime azioni in materia di accessibilità e inclusione per il sistema culturale delle due
regioni, nel più ampio quadro degli obiettivi di policies per il welfare culturale. La scelta dei temi guida e degli strumenti su cui le attività si concentreranno, così come le modalità operative, sono frutto di un’attenta rilettura degli esiti del percorso dei mesi passati, effettuata dai team delle due regioni e da Promo PA Fondazione.
La co-progettazione si svolgerà in modalità laboratoriale, con i partecipanti divisi in tavoli di lavoro.

Laboratorio finale di “Progettare per le persone: per una cultura accessibile” | Emilia-Romagna e Toscana
L’incontro conclusivo del percorso di formazione e networking svolto in Emilia-Romagna e in Toscana da novembre 2023 a giugno 2024 sarà l’occasione per produrre insieme ai partecipanti e agli esperti un set di proposte utili a sviluppare le prossime azioni in materia di accessibilità e inclusione per il sistema culturale delle regioni, nel più ampio quadro del welfare culturale.

La co-progettazione guidata si svolgerà in modalità laboratoriale, con gruppi di lavoro tematici a seconda di quanto emerso durante la formazione di questi mesi.
La giornata è dedicata a tutti gli operatori culturali delle due regioni, anche a coloro che non hanno preso parte al percorso formativo, ma sono interessati a portare le proprie competenze e riflessioni in materia.

 

Evento gratuito, su iscrizione obbligatoria entro il 18 giugno tramite questo link

 

Per maggiori informazioni:

e.campana@promopa.it | 0583 582783

 

 

Fondato nel 1997, il Rotary Club Firenze Valdisieve fu apprezzato da subito tra i Club del Distretto 2070 per essere una fucina di idee in continuo fermento. Le prime riunioni furono permeate da uno stato di costante entusiasmo tipico delle nuove avventure. Guidati da Mario Dorin, primo Presidente del Club, i soci fondatori si diedero subito da fare per individuare una strategia d’azione che consentisse al neonato sodalizio di implementare e sviluppare gli obiettivi di servizio sanciti – nell’ambito delle Quattro Vie d’Azione – dal Rotary International. Tra i molti possibili, ne furono individuati subito due ai quali dedicare la maggior parte degli sforzi e delle limitate risorse a disposizione. Da una parte i soci del Club si fecero carico dell’obiettivo di porre il Rotary Club Firenze Valdisieve al servizio della comunità in cui esso opera e del territorio da cui prende il nome. Contribuendo, ad esempio, alla valorizzazione del patrimonio storico-artistico-cultura

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Fondato nel 1997, il Rotary Club Firenze Valdisieve fu apprezzato da subito tra i Club del Distretto 2070 per essere una fucina di idee in continuo fermento. Le prime riunioni furono permeate da uno stato di costante entusiasmo tipico delle nuove avventure. Guidati da Mario Dorin, primo Presidente del Club, i soci fondatori si diedero subito da fare per individuare una strategia d’azione che consentisse al neonato sodalizio di implementare e sviluppare gli obiettivi di servizio sanciti – nell’ambito delle Quattro Vie d’Azione – dal Rotary International. Tra i molti possibili, ne furono individuati subito due ai quali dedicare la maggior parte degli sforzi e delle limitate risorse a disposizione. Da una parte i soci del Club si fecero carico dell’obiettivo di porre il Rotary Club Firenze Valdisieve al servizio della comunità in cui esso opera e del territorio da cui prende il nome. Contribuendo, ad esempio, alla valorizzazione del patrimonio storico-artistico-culturale in esso presente. Dall’altra essi ritennero necessario avviare la progettazione di iniziative che potessero essere utili ai giovani del loro territorio per l’avviamento al mondo del lavoro.

Nella sua XV edizione il premio muta la sua natura per associare anche quella di Premio Letterario Vallombrosa, con l’individuazione di un tema che varia di anno in anno. Il premio letterario viene assegnato ad un autore scelto in una rosa di autori italiani con opere sul tema prescelto e suggeriti da un gruppo di Librai Indipendenti di Firenze e Valdisieve (Librai Lettori Indipendenti).

Per la X Edizione è stato scelto il tema “La Foresta fuori e dentro di noi”.

Da una selezione di libri effettuata da Librai e Lettori Indipendenti.

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Virginia Woolf, una stanza per Tutte

di Anna, Luisa e Rosaria Corcione

martedì 11 giugno ore 18:30

 

Anna Corcione, Naturalia per Virginia Woolf
Erika Giansanti, viola
Rosaria Corcione, Leggero
Luisa Corcione, Una stanza per tutte
Con Francesca Romano Nascè

 

 

MAD Murate Art District ospita gli interventi espositivi e performativi di Anna, Luisa e Rosaria Corcione dal titolo Virginia Woolf, una stanza per Tutte.
L’evento multidisciplinare, a cura di Valentina Gensini con testo di Jonathan Giustini, unisce pittura, scultura, installazione e performance teatrale.

Questo incontro tra le arti ha un focus preciso, il tema della creazione artistica al femminile, che prende spunto dal saggio Una stanza tutta per sé di Virginia Woolf.
Il lavoro parte dalla scrittura per incontrare altre espressioni artistiche all’interno del quale la celebre autrice diviene simbolo di un’esperienza comune.

“Ho letto Una stanza tutta per sé di Virginia Woolf. Quel libro







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Virginia Woolf, una stanza per Tutte

di Anna, Luisa e Rosaria Corcione

martedì 11 giugno ore 18:30

 

Anna Corcione, Naturalia per Virginia Woolf
Erika Giansanti, viola
Rosaria Corcione, Leggero
Luisa Corcione, Una stanza per tutte
Con Francesca Romano Nascè

 

 

MAD Murate Art District ospita gli interventi espositivi e performativi di Anna, Luisa e Rosaria Corcione dal titolo Virginia Woolf, una stanza per Tutte.
L’evento multidisciplinare, a cura di Valentina Gensini con testo di Jonathan Giustini, unisce pittura, scultura, installazione e performance teatrale.

Questo incontro tra le arti ha un focus preciso, il tema della creazione artistica al femminile, che prende spunto dal saggio Una stanza tutta per sé di Virginia Woolf.
Il lavoro parte dalla scrittura per incontrare altre espressioni artistiche all’interno del quale la celebre autrice diviene simbolo di un’esperienza comune.

“Ho letto Una stanza tutta per sé di Virginia Woolf. Quel libro è come se avesse aperto il mio stesso corpo e la mia testa e leggessi la storia della mia vita nel medioevo, nelle foreste e negli opifici dell’ottocento”. Questa frase di Duras è la chiave del progetto artistico.

La suggestiva Sala Ketty La Rocca accoglie il lavoro multidisciplinare delle tre sorelle Corcione per l’edizione Estate Fiorentina 2024 vedrà in scena l’attrice romana Francesca Romano Nascè e la musicista Erika Giansanti di adozione fiorentina.

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Tommaso BOVO

Tommaso Bovo nasce a Venezia e vive a Firenze. Si occupa di critica del design, di progetto grafico e multimedia. Scrive per “Domus”, “Frizzifrizzi”, “Klat Magazine”, “Artribune Interni”. Collabora con diverse aziende e studi di grafica. Ha lavorato per lo studio Cisotti-Laube. È stato Art Director degli studi Archea Associati e Doni Associati. Ha insegnato presso l’Università degli Studi della Repubblica di San Marino, facoltà di design. È attualmente professore di Graphic Design e Metodologia del Progetto presso l’Istituto Europeo di Design – IED di Firenze.

Tommaso Bovo nasce a Venezia e vive a Firenze. Si occupa di critica del design, di progetto grafico e multimedia. Scrive per “Domus”, “Frizzifrizzi”, “Klat Magazine”, “Artribune Interni”. Collabora con diverse aziende e studi di grafica. Ha lavorato per lo studio Cisotti-Laube. È stato Art Director degli studi Archea Associati e Doni Associati. Ha insegnato presso l’Università degli Studi della Repubblica di San Marino, facoltà di design. È attualmente professore di Graphic Design e Metodologia del Progetto presso l’Istituto Europeo di Design – IED di Firenze.

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Presentazione

Design Liquido 

libro di Tommaso Bovo

giovedì 13 giugno, ore 18:00

 

Giovedì 13 giugno verrà presentato il libro “Design liquido” scritto da Tommaso Bovo e pubblicato da Forma Edizioni. Il libro raccoglie 18 interviste a designer e studi, e attraverso le loro voci cerca di raccontare il design contemporaneo.

L’evento è promosso da ISIA Firenze con la collaborazione di MAD – Murate Art District, Mus.e e Comune di Firenze.

 

Presentazione

Design Liquido 

libro di Tommaso Bovo

giovedì 13 giugno, ore 18:00

 

Giovedì 13 giugno verrà presentato il libro “Design liquido” scritto da Tommaso Bovo e pubblicato da Forma Edizioni. Il libro raccoglie 18 interviste a designer e studi, e attraverso le loro voci cerca di raccontare il design contemporaneo.

L’evento è promosso da ISIA Firenze con la collaborazione di MAD – Murate Art District, Mus.e e Comune di Firenze.

 

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Agorà è un progetto site-specific del sound artist Sadi (Sam Bertoldi), a cura di Veronica Caciolli e Valentina Gensini, che prosegue la collaborazione avviata nel 2022 tra MAD Murate Art District – Mus.e, e Museo di Antropologia e Etnologia di Firenze.

L’artista, vincitore del bando Residenze MAD 2023/2024, presso Murate Art District lavorerà sul carcere duro. Al suo interno sonorizzerà una selezione di celle creando un percorso sonoro e luminoso che intende rappresentare una connessione impossibile tra le persone che hanno soggiornato in questi angusti spazi di isolamento. L’artista è interessato a far emergere le memorie visibili e invisibili delle figure che hanno vissuto in queste celle: non soltanto l’espresso, rappresentato da grafie lasciate sulle pareti o tracce scritte conservate negli archivi sul carcere, quanto un’espressività necessariamente altra, che sfuma nell’intimo e nel non verbale.

L’artista si concentrerà sulla rappresentazione di tracce bi

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Agorà è un progetto site-specific del sound artist Sadi (Sam Bertoldi), a cura di Veronica Caciolli e Valentina Gensini, che prosegue la collaborazione avviata nel 2022 tra MAD Murate Art District – Mus.e, e Museo di Antropologia e Etnologia di Firenze.

L’artista, vincitore del bando Residenze MAD 2023/2024, presso Murate Art District lavorerà sul carcere duro. Al suo interno sonorizzerà una selezione di celle creando un percorso sonoro e luminoso che intende rappresentare una connessione impossibile tra le persone che hanno soggiornato in questi angusti spazi di isolamento. L’artista è interessato a far emergere le memorie visibili e invisibili delle figure che hanno vissuto in queste celle: non soltanto l’espresso, rappresentato da grafie lasciate sulle pareti o tracce scritte conservate negli archivi sul carcere, quanto un’espressività necessariamente altra, che sfuma nell’intimo e nel non verbale.

L’artista si concentrerà sulla rappresentazione di tracce biografiche, culturali e di residenza dei carcerati, includendo quelle degli afro-discendenti che qui hanno dimorato.

L’operazione non intende tuttavia essere didascalica, quanto rappresentare attraverso il suono, pensieri, parole, voci e memorie, che sovrappongono personale e collettivo, reclusione e relazione, afasia e comunicazione, mura ed etere.

 

Presso il Museo di Antropologia e Etnologia di Firenze, Sistema Museale di Ateneo, l’artista vorrebbe ugualmente lavorare su tracce mnemoniche, sonore, storiche, culturali, racchiuse negli oggetti esposti.

Al fine di creare un discorso coerente con il lavoro sviluppato a MAD, Sadi intende concentrarsi in particolare sull’interpretazione degli oggetti esposti nella penultima sala titolata Africa: esplorazione, colonialismo, popoli minacciati.

La proiezione sonora graviterà nello spazio perimetrale della sala presentando un’installazione acusticamente descrittiva e di suggestione immersiva per il pubblico.

Le sonorità che verranno miscelate nella composizione musicale saranno corrispondenti a storia, storie, culture dei popoli e sonorità degli oggetti esposti in questa sala: da una ricerca di materiali di linguaggio esclusivamente sonoro a suoni riprodotti o recuperati da archivi audio etnografici.

 

A seguito dell’esplorazione delle tracce reperite in entrambi gli spazi, l’artista produrrà due partiture distinte, che li metteranno tuttavia in comunicazione, generando dunque un progetto unitario.

Il lavoro sviluppato culminerà in una live performance eseguita nella sala 17 in una data e in un orario da concordare, nei primi mesi 2024.

La sua consolle e due casse saranno posizionate in prossimità di una delle due finestre dove è situata una presa elettrica e tale posizionamento non inficerà in alcun modo il normale deflusso del pubblico.

 

Il progetto sarà realizzato da Mus.e, MAD, nell’ambito della convenzione con SMA, con la collaborazione di BHMF (Black History Month Florence).

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Maree Clarke è nata nel 1961, Wamba Wamba/Latji Latji/Wadi Wadi Country, Swan Hill, Victoria.

Vive e lavora a Wurundjeri/Boon Wurrung Country, Naarm/Melbourne. Yorta Yorta/Wamba Wamba/Mutti Mutti/Boonwurrung popoli.

Maree Clarke è una figura fondamentale nel recupero e nella promozione delle pratiche artistiche aborigene del sud-est australiano. Il suo continuo desiderio di affermare e riconnettersi con il suo patrimonio culturale l’ha vista rivitalizzare i tradizionali mantelli di pelle di opossum e i disegni contemporanei delle collane usando canne di fiume, denti di canguro e aculei di echidna. Le sue installazioni multimediali tra cui fotografia, scultura e video esplorano ulteriormente le tradizionali cerimonie e rituali dei suoi antenati in alcuni casi quasi completamente perduti.

Maree infatti ha una passione per la rinascita e la condivisione di elementi della cultura aborigena che sono stati persi –o che giacciono dormienti –come conseguenza della colonizzazione.

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Maree Clarke è nata nel 1961, Wamba Wamba/Latji Latji/Wadi Wadi Country, Swan Hill, Victoria.

Vive e lavora a Wurundjeri/Boon Wurrung Country, Naarm/Melbourne. Yorta Yorta/Wamba Wamba/Mutti Mutti/Boonwurrung popoli.

Maree Clarke è una figura fondamentale nel recupero e nella promozione delle pratiche artistiche aborigene del sud-est australiano. Il suo continuo desiderio di affermare e riconnettersi con il suo patrimonio culturale l’ha vista rivitalizzare i tradizionali mantelli di pelle di opossum e i disegni contemporanei delle collane usando canne di fiume, denti di canguro e aculei di echidna. Le sue installazioni multimediali tra cui fotografia, scultura e video esplorano ulteriormente le tradizionali cerimonie e rituali dei suoi antenati in alcuni casi quasi completamente perduti.

Maree infatti ha una passione per la rinascita e la condivisione di elementi della cultura aborigena che sono stati persi –o che giacciono dormienti –come conseguenza della colonizzazione. Maree registra meticolosamente i materiali che raccoglie per ogni opera in modo che le generazioni future possano studiarli e apprezzarli. Insegna anche le pratiche che ha imparato alla sua famiglia e ai gruppi del mob, cioè del suo gruppo familiare esteso.

Con oltre tre decenni di produzione artistica alle spalle, il suo lavoro costituisce una pratica multidisciplinare che include fotografia, incisione, scultura, gioielleria, video, vetro e altri medium.

Da fotografie in bianco e nero, alcune raramente esposte che danno vita a figure chiave e agli eventi a Melbourne durante gli 1990, fino al suo lavoro più compiuto e acclamato dalla critica degli ultimi anni, vi sono importanti installazioni a tecnica mista, gioielli contemporanei che incorporano denti di canguro, canne di fiume e aculei di echidna, stampe lenticolari, ologrammi fotografici, arte urbana.

Riflettendo il continuo desiderio di affermare e riconnettersi con il suo patrimonio culturale, Clarke ha spesso esposto sue opere contemporanee insieme a prestiti chiave di materiale storico dal Victoria Museum, evidenziando il suo profondo impegno e riverenza per le consuete cerimonie, rituali, oggetti e linguaggio dei suoi antenati.

Maree Clarke è una figura fondamentale non solo nel recupero delle pratiche artistiche aborigene del sud-est australiano, facendo rivivere elementi della cultura aborigena che erano andati perduti –o rimasti dormienti –durante il periodo della colonizzazione, ma è anche un leader nel coltivare e promuovere la diversità degli artisti aborigeni contemporanei del sud-est.

Le installazioni fotografiche multimediali di Maree Clarke, tra cui stampe lenticolari, fotografie 3D e ologrammi fotografici, nonché pittura, scultura e video installazioni, esplorano ulteriormente le consuete cerimonie, rituali e linguaggio dei suoi antenati e rivelano le sue ambizioni di lunga data per facilitare il dialogo interculturale sugli effetti in corso della colonizzazione, fornendo allo stesso tempo spazio alla comunità aborigena per impegnarsi e “piangere” l’impatto dell’espropriazione e perdita.

Maree è nota per il suo approccio aperto e collaborativo alla pratica culturale. Lavora costantemente nella collaborazione intergenerazionale per far rivivere la conoscenza culturale dormiente e utilizza la tecnologia per portare un nuovo pubblico alle arti aborigene del sud-est contemporaneo.

Maree Clarke ha esposto sia a livello nazionale che internazionale, e nel 2021 è stata oggetto di una grande mostra di indagine Maree Clarke –Ancestral Memories alla National Gallery of Victoria. Altre mostre recenti includono Tarnanthi, Art Gallery of South Australia, Adelaide (2021), The National, Museum of Contemporary Art Sydney (2021), Reversible Destiny, Tokyo Photographic Museum, Tokyo Japan (2021) e il King Wood Mallesons Contemporary Art Prize, per il quale ha ricevuto il Victorian Artist Award. Nel 2020 è stata insignita della Linewide Commission per il progetto Metro Tunnel (attuale) ed è la destinataria dell’Australia Council Aboriginal and Torres Strait Islander Arts Fellowship 2020.

Nel 2023, Maree ha ricevuto la prestigiosa Yalingwa Fellowship, un premio di $ 60.000 per un artista senior delle First Nations per un artista che attualmente viva e lavori in Victoria che abbia dato un contributo eccezionale alla pratica creativa nella comunità artistica dei First Peoples e si trovi in un momento significativo della sua carriera.

Maree continua il suo lavoro d’archivio, viaggiando in vari musei del mondo per rientrare in contatto con reperti indigeni australiani e riportandoli alla vita con workshops e azioni artistiche tenuti in collaborazione con Musei e altri enti culturali in tutto il mondo.

Nel 2023 Maree Clarke è stata nominata Australian of the Year.

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Studiolo dell'Esilio (Gallery)

di Stephan Zimmerli

Studiolo dell'Esilio (Gallery)

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Maree Clarke

Gallery

Maree Clarke

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“LE MANTE” è il nuovo progetto di Cristina Abati e RILABEN per spazi non convenzionali, nato dalla collaborazione decennale tra lə due artistə, su contenuti e formati creativi e ironici del duetto tra musicista e danzatore, qui entrambi performer. Il progetto, vincitore del Bando per Residenze d’artista di MAD-Murate Art District-Firenze, nell’ottobre 2023, è costituito da 5 azioni brevi in cui l’azione performativa si contamina delle caratteristiche specifiche del luogo fisico.

Musicista e danzatorə, come corpi umani fonte di un movimento percepibile, sia come suono che come immagine, sono vivi agenti dello spazio tempo. Il nostro corpo come soggetto o oggetto di identità che costruisce una Stanza del tempo, che attraversa un Corridoio immaginario, che nuota come un anima alata in Du Mante, che parla di segreti in 100+1, che svela il passato di “Quellə duə”.

Corpo umano che sfida lo stereotipo e agisce fuori dall’ordinario, proponendo una fluid

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“LE MANTE” è il nuovo progetto di Cristina Abati e RILABEN per spazi non convenzionali, nato dalla collaborazione decennale tra lə due artistə, su contenuti e formati creativi e ironici del duetto tra musicista e danzatore, qui entrambi performer. Il progetto, vincitore del Bando per Residenze d’artista di MAD-Murate Art District-Firenze, nell’ottobre 2023, è costituito da 5 azioni brevi in cui l’azione performativa si contamina delle caratteristiche specifiche del luogo fisico.

Musicista e danzatorə, come corpi umani fonte di un movimento percepibile, sia come suono che come immagine, sono vivi agenti dello spazio tempo. Il nostro corpo come soggetto o oggetto di identità che costruisce una Stanza del tempo, che attraversa un Corridoio immaginario, che nuota come un anima alata in Du Mante, che parla di segreti in 100+1, che svela il passato di “Quellə duə”.

Corpo umano che sfida lo stereotipo e agisce fuori dall’ordinario, proponendo una fluidità di genere, un disinteresse verso l’omologazione, il binarismo, e la rappresentazione convenzionale del performer, che agisce nella consapevolezza dei queer ANTA, cioe’ sfida con ironia le convenzioni di genere ed età anagrafica della società, come della scena artistica contemporanea.

L’incursione che sarà presentata a Mad-MurateArtDistricts il 18 giugno 2024, presenterà 4 delle 5 azioni che costituiscono il progetto. Alle ore 18 nel loggiato di fronte all’ingresso di MAD “Il corridoio immaginario” per performer con violoncello e danzatore, mentre dalle 18.30 il pubblico sarà accompagnato in un percorso dove potrà assistere a “Quellə Duə”, “Du Mante” e “100+1”.

Photo credit: Valentina Lapolla

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Sono molto attratta dalla dinamica del Karaoke, nella quale performers e spettatori collaborano, creando una collettività che partecipa ad una funzione archetipica e rituale della performance.

Karaoke – dal giapponese orchestra vuota – è un atto liberatorio che per imitazione permette di lasciarsi attraversare, come un contenitore vuoto, dal flusso performativo associato ad un idolo. Attraverso la visione del Karaoke come rito, lo show inteso come atto tribale di trascinamento e liberazione viene snaturato, facendo emergere ciò che sta sotto attraverso un lavoro di destrutturazione dello stesso, per arrivare ad una sua astrazione, così da poterlo snaturare facendo emergere ciò che sta sotto. Siamo partiti dall’analisi dello show, per arrivare alla definizione di un archetipo, attraverso la creazione di un video-archivio di riferimento da poter utilizzare come partitura fisica. Utilizzando la dinamica vera e propria del Karaoke, applicata al corpo del danzatore, a

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Sono molto attratta dalla dinamica del Karaoke, nella quale performers e spettatori collaborano, creando una collettività che partecipa ad una funzione archetipica e rituale della performance.

Karaoke – dal giapponese orchestra vuota – è un atto liberatorio che per imitazione permette di lasciarsi attraversare, come un contenitore vuoto, dal flusso performativo associato ad un idolo. Attraverso la visione del Karaoke come rito, lo show inteso come atto tribale di trascinamento e liberazione viene snaturato, facendo emergere ciò che sta sotto attraverso un lavoro di destrutturazione dello stesso, per arrivare ad una sua astrazione, così da poterlo snaturare facendo emergere ciò che sta sotto. Siamo partiti dall’analisi dello show, per arrivare alla definizione di un archetipo, attraverso la creazione di un video-archivio di riferimento da poter utilizzare come partitura fisica. Utilizzando la dinamica vera e propria del Karaoke, applicata al corpo del danzatore, abbiamo cercato di ridurlo a diventare contenitore vuoto che si trasformi ogni volta, che si mimetizzi assorbendo l’archetipo dell’idolo (inteso etimologicamente) per portarlo ad esprimere parti ignote che possano venire alla luce attraverso la mimesi. Il lavoro prevede la ricerca di un contrasto accentuato tra la timidezza, intesa come tenera protezione del sé da un esterno invadente, e l’aggressività intesa come movimento verso l’esterno.
Parallelamente il Karaoke è stato indagato sotto forma di rituale, andando ad approfondire quella che può essere individuata come la struttura di un rito.

IL RITO:

Vi sono tre elementi che costituiscono la norma di qualsiasi azione rituale: il corpo, il simbolo e la ripetizione. Il primo elemento, il corpo, è la nostra fisicità nello spazio intesa come insieme di posizioni, gesto e suoni, voce inclusa. Questa fisicità, accompagnata da un senso che va oltre alla sua concretezza, introduce l’elemento del simbolo (interiore ed esteriore) che ci consente, attraverso alla sua ripetizione, di ricollegarci a spazi e tempi di dimensioni altre rispetto all’ordinario.
Ognuno dei tre elemento è indispensabile all’altro, così ad esempio, ripetizione e simbolo, a nulla valgono senza l’azione: «Non è a partire da un aldilà che la divinità opera nel foro interiore dell’uomo, o nella sua anima, misteriosamente unita ad essa. Essa è tutt’uno col mondo. Essa si para dinanzi all’uomo a partire dalle cose del mondo, quando egli è in cammino e partecipa al fermento vitale del mondo. L’uomo fa l’esperienza del divino non attraverso un ripiegamento su di sé, bensì attraverso un movimento verso l’esterno» il Rito diviene vero e proprio linguaggio con una grammatica e una sintassi. Attraverso questa grammatica, l’azione rituale marca una differenza nel normale fluire del tempo e dischiude nella quotidianità la possibilità di un cambiamento; è un’azione che tende a trascendere le circostanze e le contingenze trasfigurando l’esperienza ordinaria per renderla partecipe di una narrazione preesistente, sovra ordinata, più antica e profonda. Serve dunque perseveranza, fatica e una certa dose di coraggio nell’affrontare la selva di variabili che compongono un rito.

  1. Preparazione
    2. Purificazione Creazione dello spazio sacro
    3. Invocazioni alle divinità
    4. Lavoro magico
    5. Chiusura del rituale

 

Coreografia: Camilla Giani

Performer: Chiara Casiraghi

Luci: Gabriele Termine

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Dopo una lunga residenza artistica presso MAD Murate Art District, l’artista italo-argentina Mariana Ferratto ha affrontato negli ambienti dell’ex carcere delle Murate il tema degli spazi di libertà e creatività clandestine. La mostra Libertà clandestine ha esposto le più recenti ricerche dell’artista: Memoria de la materia, progetto artistico vincitore dell’Italian Council 2022, e Affiorare, sviluppato proprio durante la residenza fiorentina vinta con il bando MAD e sviluppata a partire da gennaio 2023.

I due progetti hanno raccontato gli spazi e gli interstizi di creatività e sopravvivenza che i detenuti politici sono riusciti a creare durante il periodo dittatoriale argentino del 1976-1983. Sotto il comando del tenente generale Jorge Rafael Videla, diventato Presidente dell’Argentina con un colpo di Stato, furono imprigionati numerosi dissidenti politici, sottoposti a tortura e isolamento. In questo contesto, in segno di resistenza, i detenuti iniziarono ad organizzar

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Dopo una lunga residenza artistica presso MAD Murate Art District, l’artista italo-argentina Mariana Ferratto ha affrontato negli ambienti dell’ex carcere delle Murate il tema degli spazi di libertà e creatività clandestine. La mostra Libertà clandestine ha esposto le più recenti ricerche dell’artista: Memoria de la materia, progetto artistico vincitore dell’Italian Council 2022, e Affiorare, sviluppato proprio durante la residenza fiorentina vinta con il bando MAD e sviluppata a partire da gennaio 2023.

I due progetti hanno raccontato gli spazi e gli interstizi di creatività e sopravvivenza che i detenuti politici sono riusciti a creare durante il periodo dittatoriale argentino del 1976-1983. Sotto il comando del tenente generale Jorge Rafael Videla, diventato Presidente dell’Argentina con un colpo di Stato, furono imprigionati numerosi dissidenti politici, sottoposti a tortura e isolamento. In questo contesto, in segno di resistenza, i detenuti iniziarono ad organizzarsi ideando originali attività all’insaputa delle guardie carcerarie. Le opere in mostra hanno raccontato questa esperienza: il potere della creatività come spinta alla sopravvivenza e nutrimento identitario collettivo come opposizione silente di fronte all’alienazione strategica a cui erano sottoposti.

Al primo piano del complesso il progetto artistico Memoria de la Materia ha riproposto sotto forma di laboratorio partecipato tutte le attività artistiche e creative ideate durante il periodo di detenzione attraverso video-installazioni, disegni sulla pratica di un linguaggio muto. Al carcere duro, invece, sono state collocate diverse installazioni audio che hanno documentato i racconti delle detenute politiche argentine del lavoro Affiorare. Tre grandi fiori di argilla e decine di piccoli fiori, quest’ultimi realizzati dagli studenti dell’Accademia di Belle Arti di Firenze durante i workshop tenuti nel corso della residenza, hanno popolato questi ambienti cupi e dolorosi. L’artista ha portato nell’ex carcere duro delle Murate la memoria di una storia di resistenza femminile contro la repressione argentina Le opere hanno restituito atti di resilienza in modo delicato e intenso: gesti silenziosi, azioni artistiche, originali sistemi di comunicazione ricostruiscono la tenacia di un gruppo di uomini e donne che hanno condiviso la prigionia e poi la diaspora conseguente all’esilio, e che si sono trovati idealmente ricongiunti nel racconto delle invenzioni e dei diversivi escogitati per mantenere viva la creatività, la memoria, la relazione e gli affetti anche in una condizione di privazione e mortificazione, praticando arte, solidarietà, apprendimento continuo e mutuale.

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“Studioli dell’esilio: ricostruire la memoria”

 

“The seasons and the years came and went… and always… one was, as the crow flies, about 2000 km away -­‐ but from where? -­‐ and day by day, hour by hour, with every beat of the pulse, one lost more and more of one’s qualities, became less comprehensible to oneself, increasingly abstract.” (W.G. Sebald, “The Emigrants”)

I luoghi hanno una doppia esistenza. La prima è fisica, e si svolge in maniera fissa attorno alla vita di chi ci abita, di chi ci vive; la seconda è mentale, e si sviluppa nella memoria degli esseri che portano questi luoghi dentro di loro, ovunque vanno. Queste due esistenze divergono, spesso in maniera lenta, invisibile, o a volte in maniera piu brutale, quando i luoghi spariscono fisicamente. Mi interessa lavorare sulle reminiscenze, e le memorie profondi che gli individui trasportono, quando devono spostarsi e reinventare la loro vita dall’

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“Studioli dell’esilio: ricostruire la memoria”

 

“The seasons and the years came and went… and always… one was, as the crow flies, about 2000 km away -­‐ but from where? -­‐ and day by day, hour by hour, with every beat of the pulse, one lost more and more of one’s qualities, became less comprehensible to oneself, increasingly abstract.” (W.G. Sebald, “The Emigrants”)

I luoghi hanno una doppia esistenza. La prima è fisica, e si svolge in maniera fissa attorno alla vita di chi ci abita, di chi ci vive; la seconda è mentale, e si sviluppa nella memoria degli esseri che portano questi luoghi dentro di loro, ovunque vanno. Queste due esistenze divergono, spesso in maniera lenta, invisibile, o a volte in maniera piu brutale, quando i luoghi spariscono fisicamente. Mi interessa lavorare sulle reminiscenze, e le memorie profondi che gli individui trasportono, quando devono spostarsi e reinventare la loro vita dall’altro lato della pianeta, per desiderio o per necessità. Cosa ritengono, cosa dimenticano. Mi affascina l’idea -­‐ magari illusoria -­‐ di ricostruire la memoria, di disegnare le immagini invisibili nascoste dentro la psiche, che sia la mia o quella degli altri.

Essendo nato a Parigi nel 1976, da genitori emigrati in parte dall’Europa (Svizzera, Scandinavia, Inghilterra) e in parte dall’ex-­‐Indocina (Vietnam, Cambodia… e Corsica), sono cresciuto da un lato con i racconti di una memoria piuttosto neutrale e stabile, e dall’altra, con i ricordi spezzati e caotici di una diaspora dispersa dalle guerre che avevano schiacciato il loro paese da oltre trent’anni. Ho imparato che le memorie dei posti perduti, anche quando sono rimosse, sono a volte piu potenti dalle memorie dei posti dove si vive nel presente.

L’artista propone di sviluppare nelle Murate un progetto dedicato alla memoria collettiva degli cittadini di Firenze che sono arrivati nella città tramite migrazioni, esilio, traslocamenti volontari o no: seguendo un protocollo artistico di “disegno mentale”, si tratterebbe di organizzare incontri con questi cittadini, e durante sedute di circa un’ora ciascuna, di chiedergli di raccontarmi -­‐ nel modo piu preciso e intenso possibile -­‐ il ricordo di un luogo che hanno perduto -­‐ per permettermi in tal modo di materializzare dal vivo le loro memorie, le loro visioni mentali, tramite disegni a grande scala che farei sulle pareti di stanze effimere, scenografie di legno o di carta inserite dentro l’archituttura delle Murate; le pareti interni di queste stanze, ricoperte poco a poco dai disegni materializzando questa memoria collettiva, diventando analoghe alle pareti degli studioli rinascimentali, ornate da intarsi o affreschi, rappresentazioni di un mondo invisibile, estensioni dello spazio mentale… una “memoria arteficiosa” materica e organica, realizzata solo con la parola, il ricordo e la mano -­‐ in contrappunto all’onnipresenza delle immagini digitali proliferanti e di quell’altra “intelligenza arteficiale”, quella disincarnata, automatica e vorace.

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L'Arcipelago

di Maria Montesi

Origine, metodologia e obiettivi:

Il lavoro nasce dall’elaborazione di un mito che racconta la genesi dell’arcipelago delle isole Eolie e si divide in due parti: la prima è una performance in cui un gruppo di interpreti collaborerà alla messa in scena del mito e la seconda è una versione cinematografica dello stesso sottoforma di cotrometraggio di circa 20 minuti. In occasione di questa residenza intendo sviluppare la prima parte del progetto il cui esito sarà eventualmente presentato presso Murate Art District e in seguito durante il festival di danza Marosi a giugno 2024.
L’Arcipelago è infatti risultato progetto vincitore del programma di alta formazione “Around a process of Making” all’interno del festival Marosi nell’isola di Stromboli. Il programma consiste in una serie di incontri per lo sviluppo del lavoro e di una restituzione all’interno del festival.
Tema centrale della storia è la particolare relazione presente nell’immaginario collettivo tra il vulc

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Origine, metodologia e obiettivi:

Il lavoro nasce dall’elaborazione di un mito che racconta la genesi dell’arcipelago delle isole Eolie e si divide in due parti: la prima è una performance in cui un gruppo di interpreti collaborerà alla messa in scena del mito e la seconda è una versione cinematografica dello stesso sottoforma di cotrometraggio di circa 20 minuti. In occasione di questa residenza intendo sviluppare la prima parte del progetto il cui esito sarà eventualmente presentato presso Murate Art District e in seguito durante il festival di danza Marosi a giugno 2024.
L’Arcipelago è infatti risultato progetto vincitore del programma di alta formazione “Around a process of Making” all’interno del festival Marosi nell’isola di Stromboli. Il programma consiste in una serie di incontri per lo sviluppo del lavoro e di una restituzione all’interno del festival.
Tema centrale della storia è la particolare relazione presente nell’immaginario collettivo tra il vulcano e le emozioni umane. Il lavoro di traduzione scenica sarà nutrito da alcune pratiche derivanti dalla tradizione della danza butoh. Un particolare riferimento è il concetto di corpo come karada, ovvero come “contenitore vuoto” e allo stesso tempo “presente”, attraverso cui le emozioni, che non appartengono mai a un soggetto, transitano.
La storia descrive infatti la presenza di una tensione latente tra gli abitanti dell’isola. Le origini del fenomeno non sono del tutto svelate ma se ne comprendono gradualmente i meccanismi e gli effetti che ne conseguono nelle dinamiche tra gli abitanti, lasciando emergere il portato psicologico di una rottura delle convenzioni sociali.
Alcune parti della storia saranno animate in stop motion con disegni a carboncino. La scelta di questa tecnica è dovuta alla sua particolare caratteristica di mantenere sul foglio una traccia visibile di ogni passaggio, dove il bianco è la cancellatura del nero e il nero è la copertura del bianco. Questa tecnica suggerisce inoltre un legame con una pratica comune sull’isola di Stromboli, dove la cenere nera dei crateri attivi ricopre quasi quotidianamente le terrazze e i tetti bianchi delle case, e gli abitanti regolarmente la spazzano via e imbiancano le case con la calce.

 

 

L'Arcipelago

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Margherita Landi

Coreografa, video maker e laureata in Antropologia Culturale.

Dal 2010 il suo lavoro artistico ha iniziato a concentrarsi in studi pratici e teorici su percezione e attenzione, per poi estendersi dal 2014 a una riflessione su corpo e tecnologia, sulla trasformazione dei rituali e dei processi di elaborazione emotiva messi in atto dall’interazione digitale. Ha esplorato Augmented Reality (AR), Virtual Reality (VR), Projection mapping e diversi social media. Negli ultimi anni si è concentrata sul VR per il potenziale di embodiment che offre questa tecnologia, studiando tecniche di trasmissione coreografica attraverso il visore VR. Nel 2021 il suo lavoro “Peaceful Places” vince il prestigioso Auggie Award come Best Art in VR. Il suo lavoro mira a una riflessione sull’utilizzo consapevole della tecnologia come strumento esperienziale e creativo, eliminando la dicotomia umano/artificiale che tende ad attribuire allo strumento tecnologico una valenza negativa, interpretandolo invece

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Coreografa, video maker e laureata in Antropologia Culturale.

Dal 2010 il suo lavoro artistico ha iniziato a concentrarsi in studi pratici e teorici su percezione e attenzione, per poi estendersi dal 2014 a una riflessione su corpo e tecnologia, sulla trasformazione dei rituali e dei processi di elaborazione emotiva messi in atto dall’interazione digitale. Ha esplorato Augmented Reality (AR), Virtual Reality (VR), Projection mapping e diversi social media. Negli ultimi anni si è concentrata sul VR per il potenziale di embodiment che offre questa tecnologia, studiando tecniche di trasmissione coreografica attraverso il visore VR. Nel 2021 il suo lavoro “Peaceful Places” vince il prestigioso Auggie Award come Best Art in VR. Il suo lavoro mira a una riflessione sull’utilizzo consapevole della tecnologia come strumento esperienziale e creativo, eliminando la dicotomia umano/artificiale che tende ad attribuire allo strumento tecnologico una valenza negativa, interpretandolo invece come possibile estensione del corpo stesso, quindi in grado di “aumentare” l’esperienza che di esso si può fare. Margherita Landi fonde filosofia, scienza, tecnologia, neuro-scienze e danza. Le sue performance offrono esperienze profondamente emotive e rivoluzionarie, gettando luce sia sugli aspetti positivi che negativi della nostra relazione con la tecnologia. Margherita sfida il pubblico a discernere se lo spettacolo si svolge esternamente o dentro di loro, spingendo i confini dell’esperienza convenzionale. Dà vita a formati innovativi, sottolineando un’umanità attenta, concentrata ed emotivamente coinvolta. Il suo lavoro trasmette un messaggio politico, spostando l’attenzione dalla performance o dall’abilità tecnologica al regno dei sentimenti e dell’inclusione, dove ogni individuo può generosamente contribuire alla bellezza dei propri gesti. Tra i suoi progetti: “Dance for Smartphone”, “The vulnerable technology inside of us”, “Improvvisazione in danza come spazio liminale”, “The world behind us”, “P2P, nuove forme di mancanza nell’era digitale”. Ha lavorato con artisti quali Iraqi Bodies, Makiko Ito, Katie Duck, Dance Elixir, MonoCollective, Yumiko Yoshioka, Company Blu, Zoya Sardhashti, Virgilio Sieni, TSKrypton, Silvia Gribaudi. Al momento è dottoranda in Performance presso l’Università di Portsmouth (UK) la sua ricerca ruota intorno al ruolo dell’assenza e dell’invisibile nella pratica performativa attraverso il visore VR.

www.margheritalandi.it

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In questa residenza mi propongo di indagare le possibilità performative ed esperienziali del Landi’s Cube un sistema in Mixed Reality, da me realizzato, che permette di adottare un linguaggio visivo come sistema di comunicazione tra coreografo e danzatore. Il Landi’s Cube come strumento di comunicazione non verbale sta rivelando possibilità maggiori del previsto sia come strumento artistico-creativo che ludico-educativo. Di fatto è un primo approccio alla notazione del movimento in 3D, se Laban usava un linguaggio scritto su carta oggi è possibile spazializzare le indicazioni di movimento grazie alla XR (Extended Reality). Il Landi’s Cube è ispirato al cubo di Laban, al Cubo di Rubik e al gioco del twister ma tutto raggiornato in MR (Mixed Reality). Attraverso un visore VR (Realtà Virtuale) e possibile vedere la stanza in cui ci si trova, le persone circostanti ma anche essere immersi in un cubo in AR (Realtà Aumentata) da cui è possibile vedere le indicazioni.

 

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In questa residenza mi propongo di indagare le possibilità performative ed esperienziali del Landi’s Cube un sistema in Mixed Reality, da me realizzato, che permette di adottare un linguaggio visivo come sistema di comunicazione tra coreografo e danzatore. Il Landi’s Cube come strumento di comunicazione non verbale sta rivelando possibilità maggiori del previsto sia come strumento artistico-creativo che ludico-educativo. Di fatto è un primo approccio alla notazione del movimento in 3D, se Laban usava un linguaggio scritto su carta oggi è possibile spazializzare le indicazioni di movimento grazie alla XR (Extended Reality). Il Landi’s Cube è ispirato al cubo di Laban, al Cubo di Rubik e al gioco del twister ma tutto raggiornato in MR (Mixed Reality). Attraverso un visore VR (Realtà Virtuale) e possibile vedere la stanza in cui ci si trova, le persone circostanti ma anche essere immersi in un cubo in AR (Realtà Aumentata) da cui è possibile vedere le indicazioni.

 

A un secolo dalle Elegie Duinesi, completate e pubblicate nel 1923, un’ omaggio a Rainer Maria Rilke e all’invisibile.

“L’ angelo delle Elegie è quella creatura in cui la metamorfosi del visibile in invisibile, che noi operiamo, compare già compiuta…

Langelo delle Elegie è quellessere che è garante del fatto di riconoscere nellinvisibile un superiore rango della realtà. Per questo è tremendo per noi, perché noi, coloro che amano e trasformano, siamo ancora legati al visibile. Tutti i mondi delluniverso precipitano nell invisibile, nella realtà più profonda che abbiamo accanto”. Scrisse Rilke nella lettera a Witold von Hulewicz, del 13 novembre 1925. Il visore di Realtà virtuale diventa in questo caso la soglia tra visibile e invisibile. L’invisibile diventa presenza concreta, che fornisce il materiale e il significato alla performance. Margherita Landi ha sviluppato un’ approccio al corpo che passa dal visore VR, per metterla in diretta comunicazione con i performer che volta volta coinvolge nel processo attraverso il sistema del “Landi’s Cube”. Attraverso la Mixed Reality Landi ha costruito un linguaggio visivo che offre la possibilità di dirigere la performance in tempo reale, senza limitare la libertà creativa dei performer, costruendo così un dialogo che avviene in scena in tempo reale nel quale anche il software ha esso stesso voce in capitolo generando elementi casuali. Una pratica discorsiva a tre tra coreografa, performer e apparato, in cui non vi è gerarchia ma collaborazione. Il visore diventa così parte del processo generando intra-azioni più che inter-azioni come direbbe Karen Barad, ma soprattutto generando significati diversi, l’invisibile si “materializza” (“come to matter”) nello spettacolo dando “importanza” (“come to matter”) ad aspetti e significati sempre nuovi.

LINK trailer

https://vimeo.com/margheritalandi/tremendashort

https://vimeo.com/margheritalandi/tremendalong

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