Mariana Ferratto (Rome 1979) is an Italian-Argentinian artist based in Florence. She graduated from the Academy of Fine Arts in Rome and completed her training with studies in dance-theater. Her research revolves around the theme of identity in its many facets. An essential element is the body as a medium through which to investigate the theme of personal and gender identity, relationships with each other and the stereotypes associated with it.

The Memoria de la Materia project is a winner of the Italian Council 2022, 11th edition scope 3, grant for supporting international research by artists, curators and critics.

She has participated in numerous exhibitions in prestigious exhibition spaces including: MAXXI Roma, MACRO, Museo di arte contemporanea Roma, PAN – Palazzo delle Arti Napoli, MUMI Montevideo, Auditorium Parco della Musica Rome, Contempoary Art Museum St. Louis Missouri, USA, Palazzo Merulana in Rome, Sala Rekalde in Bilbao, Museo di Roma in Trastevere, Centro Cultural Recoleta Buenos Aires, Serrone della Villa Reale di Monza, Galleria Parmeggiani Reggio Emilia, Tese delle Vergini dell’Arsenale Venezia, Le Monnaie de Paris, Fondazione Pastificio Cerere Rome, C/O Careof Milano, Fondazione Adriano Olivetti Rome, Istituto Italo-Latino americano Rome, Museo Pietro Canonica Villa Borghese Rome, Accademia di Romania Rome, Fondazone Alda Fendi Rome, Museo del Sannio Benevento, MAC – Museo d’Arte Contemporanea di Lissone, Museo Casa natale di Gabriele D’Annunzio Pescara, CIAC Castello Colonna Genazzano. In 2022/2023 she has participated in the production residency at MAD, Murate Art District in Florence, in 2015 at Residenza Artistica Cosenza 2015 curated by I Martedì Critici, in 2014 at FDV Residency Program at Careof/DOCVA, Fabbrica del Vapore Milan, in 2010-2011 was selected by Incontri Internazionali d’Arte for a residency at Cité Internationale des Arts in Paris.

In 2012 she won the II edition of Premio Arte, patrimonio e diritti umani promosso from Connecting Cultures. And she is represented by The Gallery Apart, Rome.

Nicholas Isherwood is a Franco-American bass singer, who specialises in contemporary and baroque music. Notable roles include “Lucifer” in the world premieres of Stockhausen’s Montag, Dienstag, and Freitag from Licht at La Scala and the Leipzig Opera, and in Donnerstag aus Licht at Covent Garden.

Isherwood has worked with Joel Cohen, William Christie, Peter Eötvös, Paul McCreesh, Nicholas McGegan, Kent Nagano, Zubin Mehta and Gennady Rozhdestvensky as well as composers Sylvano Bussotti, Elliott Carter, George Crumb, Hans Werner Henze, Mauricio Kagel, György Kurtág, Olivier Messiaen, Giacinto Scelsi, Karlheinz Stockhausen, and Iannis Xenakis in venues such as La Scala, Covent Garden, the Théâtre des Champs-Élysées, Salzburg Festival, Concertgebouw, Berlin Staatsoper, Vienna Konzerthaus, Tanglewood).

His operatic roles include: “Antinoo” in Monteverdi’s Il ritorno d’Ulisse in Patria with Boston Baroque; “Claudio” in Handel’s Agrippina with Nicholas McGegan; “Satiro” in Rossi’s Orfeo and “Pan” in Marais’ Alcyone with Les Arts Florissants; “Joas” in Porpora’s Il Gedeone with Martin Haselböck; “Frère Léon” in Messiaen’s Saint François d’Assise in the last composer supervised production; “Der Tod” in the two productions of Viktor Ullmann’s Der Kaiser von Atlantis with the Internationale Bachakademie Stuttgart and 2e2m, “Roméo” in Pascal Dusapin’s Roméo et Juliette at the Avignon Festival; “Lear” in Toshio Hosokawa’s Vision of Lear for the Munich Biennale; “Il Testimone” in Sylvano Bussotti’s Tieste at the Rome Opera, and “Micromégas” in Paul Mefano’s Micromégas. Recent performances include the role of the doctor in Francesco Filidei’s ” L’Inondation” at the Opéra de Rennes and the Opéra de Nantes (fall, 2019).

In addition to singing, Isherwood has had an extremely active pedagogical career. He has been engaged as professor (or assistant professor) of vocal music and/or music theater (opera) at institutions in France, Germany, and the United States, including the IRCAM Summer Academy, Stockhausen-Kurse (Kürten, Germany), State University of New York, University of Notre Dame, Ecole Normale de Musique (Paris), California Institute of the Arts, and the University of Oregon (2008–2011). From 2015 to 2018, he was a professor of voice at the CNSMD de Lyon, and he has been professor of voice at the Conservatoire de Montbéliard since 2019.

He has presented masterclasses, workshops, and lectures at the Salzburg Mozarteum; Iannis Xenakis Summer Courses (Paris); Conservatoire de Reims; Paris Conservatoire (CNSMP), California State University, Los Angeles; Stanford University; University of California, Santa Barbara; University of Washington; San Francisco State University; California Institute of the Arts; ARIAM (Paris); Conservatorio Giuseppe Verdi (Milan); Institute of the Living Voice (Berlin); Troyes Conservatoire; Mexico City University; Normal University of Taiwan; at CCMIX (Paris); IRCAM (Paris); USC; Cal State LA; Cal State Riverside; Cal State Fullerton; Harvard University.

Among his publications, The Techniques of Singing describes the techniques needed to perform contemporary vocal music.

Jacopo Baboni Schilingi proviene dalla musica cosiddetta “colta”, che unisce la scrittura e l’interattività. La stampa internazionale lo descrive come uno dei compositori più rappresentativi della sua generazione. È riconosciuto dai suoi concerti ed esposizioni nella cerchia dei conservatori e delle sale da concerto classiche: compositore in residenza all’IRCAM (7 anni), artista associato alla Saline Royale d’Arc-et-Senans (3 anni), curatore del colloquio annuale PRISMA nel mondo (dal 2000 ad oggi), artista associato del Festival EMW al Conservatorio Nazionale di Shanghai (4 anni), Visiting Professor alla Harvard University negli USA, Visiting Professor al Conservatorio di Wuhan (3 anni).

Le sue produzioni plastiche e musicali sono invitate ed esposte nelle nuove sale dedicate all’arte multidisciplinare che combinano immagini, video, architettura e interazione con il pubblico: Sanlitung Village a Pechino, UniCredit Pavilion a Milano, Grand Palais a Parigi, Nexus Hall a Tokyo, Streaming Museum a New York, ecc.  Il suo lavoro con Arman negli anni 2000 ha dato inizio ad una serie di creazioni con Miguel Chevalier, Jean-Pierre Balpe, Alain Fleischer, Elias Crespin, Sarkis, ecc. Nel 2015 ha partecipato due volte alla Biennale di Venezia: ha creato la musica per il Padiglione della Turchia Respiro della voce e il concerto per la giornata di chiusura nella Sala delle Armi. Jacopo Baboni Schilingi ha scritto musica per grandi sponsor come Hermès e Samsung. Dal 2015 al 2018, la casa Camille Fournet – Parigi è stata mecenate di Jacopo Baboni Schilingi per la sua installazione ARGO, esposta al Grand Palais di Parigi, nell’ambito della mostra “Artists & Robots”. Dal 2018 al 2020, è stato sponsorizzato dalla casa di Chanel per una serie di residenze, un concerto monografico e una mostra monografica a Tokyo.

Italian sound designer and musician based in Bologna (Italy), working with sound in music, audiovisuals, performances and installations. In 2018 she started collaborating with Tempo Reale, an esteemed center for musical research, production and education in Florence (Italy). In the same year she co-founded the Electronic Music Collective at the Conservatory of Music “G. B. Martini” in Bologna (Elettronica Collettiva Bologna~), where she also graduated with the /krəʊk/ project, a group of sound installation created in partnership with the Department of Music Studies at the Ionian University of Corfù (Greece). Her work has been exhibited in Italy, Ireland, Greece, Portugal, the UK and the US. She is currently collaborating with the Italian composer Roberto Laneri on overtone singing projects. Agnese is always looking to add more spinning tops to her personal music instrument collection, with the goal to “play” them all.

soundcloud.com/agnesebanti

Simoncini.Tangi nasce dall’incontro di due realtà apparentemente diverse, quella artistico-teatrale di Daniela Simoncini e quella tecnico-scientifica di Pasquale Tangi, entrambi vivono e lavorano insieme a prato dal 2006. Pasquale nasce a Faeto (FG) nel 1980, si laurea in Ingegneria Industriale presso l’Università degli studi di Firenze nel 2008. Figlio di un orologiaio, ha da sempre coltivato interesse per la concezione del tempo e dei suoi meccanismi interni. Nel 2019 si iscrive al Master Futuro Vegetale del neurobiologo S. Mancuso e del prof. L. Chiesi, per approfondire la relazione tra Uomo, Ambiente e Natura.  Daniela Simoncini nasce a Poggibonsi (SI) nel 1972, si diploma nel 1996 presso l’Accademia di Belle Arti di Firenze, nella sezione di Pittura con il prof. G. Notargiacomo. Studia teatro con l’attrice vocalista G. Bartolomei e danza contemporanea con C. Bonati. Dal 2003 inizia a praticare e studiare Tai Chi, Yoga e Feldenkrais, in quanto discipline in cui natura e respiro sono intimamente connessi.

Principali esposizioni a cui hanno partecipato dal 2016: “Preludio” a cura di Kyro Art Gallery, Pietrasanta (2021), “Architettura vegetale” con A. Fanti, a cura di Cut | Circuito Urbano temporaneo, ass. Riciclidea e Masc Collective, Campolmi, Prato. “Vicoli d’arte” a cura di Vicoli d’arte, Comune di Prato, Prato. “Il sesto regno” con E. Sauer, Villa Romana, Firenze, “Bio-facies” a cura di Artforms, Prato, “Microcambiamenti”, Face Off vol.2, a cura di E. Favini e D. Ferruzzi, C.R.A.C.  Cremona, Urban Jungle System, con M. Casa, Giardini di D. Spoerri (GR), “Manùs. Elogio alla Fragilità”, a cura di M. Banfo, A. Cattani, S. Ravelli, The Necxt (TO), “Casa Fragile”, Novella Guerra (IM), “Reset performance 24ore”, a cura di A. Borsetti Venier e E. Zadi, La Barbagianna, Pontassieve (FI).   “49° Premio Suzzara – No place.Place”, di E. Cristini U. Cavenago, Suzzara (MN)  “Dress Codex”, a cura di «Bau» GAMC, Viareggio (LU), “Italia Mon Amour” a cura di G. Bindi (Curiba), “Espacio Enter”: Festival della Creatività e della Cultura Digitale, TEA, Tenerife.

Alcune esperienze di workshop e formazione dal 2017: “Orti e giardini ecosostenibili” e “Come costruire una Food Forest” a cura di Ass.ne Komorebi, Prato, Master Futuro Vegetale coordinamento di L. Chiesi e S. Mancuso, Unifi di Firenze, L.I.N.V di Sesto Fiorentino (FI), Noi come animali di P. Gilardi (PAV), Manufatto in situ a cura di Viaeindustriae a Cancelli (PU), Pratiche Partecipative e Community Art con A. Raw, Fondazione Vivarelli (PT).

Danzatrice e danzaterapeuta, psicologa e ricercatrice di processi inconsci, sensibili, visibili e invisibili. Da sempre interessata a esplorare quel territorio di confine che si trova tra la luce e l’ombra. Pratica la danza sia come forma d’arte sia come strumento a servizio del sociale e del diritto all’infanzia. Il Butoh, tra i tanti insegnamenti ricevuti, è il suo strumento prediletto; una pratica somatica, giovane, flessibile ed in costante evoluzione, dove il corpo è uno spazio dove poter sperimentare nuove ricerche, nuovi materiali. Esplorar-si. Raccontar-si. Danzar-si.

Kirsten Stromberg (b. San Francisco, USA, lives and works in Florence, Italy) is an interdisciplinary
artist working in mixed media, painting/drawing, sound art and experimental music. Areas of research include: art education and aesthetic engagement for individual and social transformation, pain and recovery in the world body, feminist inquiry and contemporary art. She received her BA from Dartmouth College where she was a Senior Fellow in electro-acoustic music and studio art. In 2005 she completed her MFA in Arts and Consciousness Studies at JFKU. She has studied for over 20 years with the artists Rose Shakinovsky and Claire Gavronsky attending numerous workshops and residencies with them in both Italy and South Africa. Kirsten’s work has been shown/performed in both solo and group exhibitions internationally including: Le Murate PAC and Fabbrica Europa in Florence; L.A.C.E and Huntington Beach Center for The Arts in the Los Angeles area; The SF Arts Commission, 21 Grand and Works/San Jose’; in the San Francisco Bay Area; as well as exhibitions and projects in New York, London, Copenhagen, and Berlin.

Fukushi Ito (伊藤 福紫) è nata a Nagoya nel 1952, laureata alla Tokyo University of Arts, dopo aver conseguito la laurea specialistica presso la stessa Università si trasferisce in Italia, dove vive da circa 40 anni. Ha esposto in musei, spazi pubblici e gallerie di diversi paesi: fra questi Italia, Giappone, Australia, Stati Uniti, Germania, Francia, Danimarca, Regno Unito, Russia, Israele, Slovenia, Irlanda. Nel 2014 ha ricevuto la Medaglia d’onore con il Nastro Blu Scuro per conto dell’Imperatore. La sua opera supera la dicotomia tra Oriente e Occidente, per diventare sintesi superiore, sostenuta anche dal pensiero che nella cultura giapponese, l’identità è un fattore non statico, ma in evoluzione. Così Fukushi Ito riesce a rendere libera la propria capacità creativa da quella tradizione millenaria cui appartiene, consapevole che il compito di un artista è sperimentare costantemente linguaggi e materiali rendendo accessibile a tutti il contenuto del proprio sentire artistico. Da ciò deriva la predilezione nell’accostamento di materiali antichi a contemporanei, come la carta giapponese e i pigmenti all’immagine foto e video realistica, al computer, al plexiglass, alla pellicola trasparente, alla luce del neon e dei led. In particolare è proprio la luce, lo strumento privilegiato che essa utilizza volutamente al fine di coinvolgere il pubblico con l’intento di amplificarne gli stimoli sensoriali. Il suo lavoro porta l’artista a entrare e uscire costantemente da due culture.

Brychan Tudor usa amalgamare fra di loro luce proiettata e strutture tridimensionali per creare una forma di stratificazione che esplori e ridefinisca i confini spaziali. Questo processo produce sottili mutamenti del ‘sentire’ e gioca con la nozione di una memoria esperienziale ‘fisica’. Attraverso una ripetizione controllata, tali proiezioni aiutano ad aprire un dialogo tra le alterazioni fisiche del luogo e le nozioni spaziali che esse esprimono.
http://www.creativeassault.org/BRYCHAN-TUDOR-1

Fabrizio Ajello (Palermo, 1973) artista, ricercatore ed insegnante di base a Firenze, riflette e interviene sui modelli culturali attraverso un’indagine e un confronto continuo con le tematiche del sacro, della memoria collettiva/individuale e del rapporto tra spazio pubblico e spazio privato. Nel biennio 2005/2006 ha lavorato al progetto di arte pubblica, Progetto Isole. Nel 2008 fonda, insieme all’artista Christian Costa, il progetto di arte pubblica Spazi Docili, basato a Firenze, che in questi anni ha prodotto indagini
sul territorio, interventi, workshop e talk presso istituzioni pubbliche e private, mostre e residenze artistiche. Ha fondato nel 2016 insieme alla ricercatrice Licia Bianchi il progetto artistico Aizimen. Ha inoltre esposto in gallerie e musei italiani e internazionali e ha preso parte a diversi eventi tra i quali: Berlin Biennale 7, Break 2.4 Festival a Ljubljana, in Slovenia, Synthetic Zero al BronxArtSpace di New York, Moving Sculpture In The Public Realm a Cardiff, Hosted in Athens ad Atene, The Entropy of Art a Wroclaw, in Polonia. Attualmente collabora con i magazine MEMECULT e MADE IN MIND, ha contribuito inoltre con interviste e saggi alla rivista Roots and Routes e alla piattaforma NESXT. Da anni interviene in istituzioni pubbliche con metodologie laboratoriali interdisciplinari e di collaborative learning. Insegna attualmente materie letterarie presso il Liceo Artistico di Porta Romana a Firenze.

Firenze è un brand. Lo stereotipo, conosciuto in tutto il mondo, della città rinascimentale. Firenze, tuttavia, è anche l’indiscussa capitale delle difficoltà italiane nel comprendere e gestire il contemporaneo e il relativo rapporto con il passato. Spazi Docili è la risposta in chiave di progetto di arte pubblica a questa realtà sconcertante ed esemplare. Il progetto è nato durante il 2008 ed è curato da Fabrizio Ajello e Christian Costa.
http://www.spazidocili.org

“Attraverso una pratica site-specific il mio intento è quello di riaffermare l’onnipresente/trascurato. Il mio lavoro esplora le potenzialità interattive dei processi decisionali relativi alla forma e, attraverso l’attenzione alla loro diffusione per mezzo dei nuovi media, le loro più ampie attrattive e applicazioni.”
https://sites.google.com/site/johnohare27/

“Da dove facciamo discendere il nostro divenire? La mia pratica artistica esplora i concetti di intimità, identità, autorità. Costruisco oggetti per mettere in discussione quanto un singolo soggetto, utilizzando una metodologia non soggettiva, possa essere ampliato. Questi oggetti appaiono come invenzioni personali e artificiali, e le loro imperfezioni e fragilità come un tentativo per cercare di eliminare ogni senso di autobiografia dal lavoro.”
http://www.creativeassault.org/JAMIE-DAVIES-1  

“In maggiore o minore misura, fin dalla laurea nel 1996, il mio principale medium artistico sono state le altre persone. Io adopero la gente per esaminare le questioni dell’arte, e l’arte per rivelare l’oggettività nelle persone. Credo che questo rapporto vada ben oltre la semplice partecipazione/collaborazione per porre interrogativi su cose quali la comunicazione, il giudizio, l’impatto sullo spettatore, il comportamento, il cambiamento”.

La pratica artistica di Kathryn Ashill è una combinazione di disegno, installazione e performance. Il suo lavoro è fortemente autobiografico e utilizza narrazioni del passato, del presente e del futuro per esplorare le idee proprie come l’esperienza delle persone e dei luoghi.
http://www.kathrynashill.com

1978 Born in Argentina,  lives and works in Rome. Textile, ceramics and paper artist.

Quotidian objects in the domestic context and ordinary life situations, give me a ground from where to explore the poetics of the everyday. They constitute the starting point from where I explore notions of dwelling.  The interest I have in the space we inhabit and in how we inhabit comes from my own life experiences, especially that of migrating and motherhood.
I started working with old home linens, found, given or inherited, treating and whitening them to create a reclaimed surface to work on. Stains, tears and other signs of use populate them like forgotten steps across a landscape, conveying a sense of temporary presence. To all this traces i have added mine.
Over time, staining and mark making became a staple of my visual language. I work with water media, and create inks from the landscapes I come across. Burnt remains from a wild fire, botanical and domestic remainders or rusted urban objects found on the street, run across my work, transformed into pigments of unique colour and luminosity

Ilze Petroni, Universidad Nacional de Córdoba Universidad Provincial de Córdoba è Ricercatore d’arte contemporanea.

Detiene un Dottorato di ricerca in Arte presso la Scuola d’Arte e Bachelor in Comunicazione Sociale, specializzazione in Ricerca e Pianificazione, presso la Scuola di Scienze dell’Informazione (ECI) dell’Università Nazionale di Cordoba (UNC). Ha lavorato come assistente alla cattedra di Dipartimento dei Movimenti Estetici e della Cultura Argentina; Seminario di Cultura Popolare e Cultura di Massa e Seminario sui Problemi della Società Contemporanea (ECI, UNC). Membro del team di ricerca dedicato ai problemi del film argentino diretto da Mgter. María Paulinelli, con la quale ha pubblicato Cinema e Ditadura (2006); La poetica nel cinema argentino: 1995-2005 (2005); Cinema e immaginario. Alcuni film di fine secolo (2000) hanno partecipato a Cinema Documentario, Memoria e Diritti Umani (Buenos Aires, 2007). Tra il 2009 e il 2013 è stato membro del team di ricerca “Recupero e analisi di documenti dell’archivio cinematografico di Canal 10 e del patrimonio visivo e audiovisivo di Cordoba”, diretto dalla Dott.ssa Silvia Romano (FFyH, UNC), con cui ha pubblicato “The Green Case: life history, opere fotografiche e frammenti della Collezione Anselmo Pérez” (2013). Ha partecipato a diversi incontri accademici e scientifici nazionali e internazionali. È stata borsista del Consiglio Nazionale per la Ricerca Scientifica e Tecnica (CONICET, 2008-2012). Dal 2009 al novembre 2014 è stata coordinatrice generale del gruppo di Curatori Forensi con cui ha tenuto conferenze, seminari, workshop e residenze in arte contemporanea, sistema dell’arte, gestione autonoma, politica, teoria e critica dell’arte contemporanea in Argentina, Brasile, Colombia, Cile, Ecuador, Francia, Italia, Messico, Perù, Uruguay e Venezuela. Nell’aprile 2012 ha fondato e coordinato la Rete dei Dirigenti Autonomi d’Arte Contemporanea – America Latina e, nel 2013, ha creato la Curatoria Editoriale Forense con la quale pubblica il libro Directory of Autonomous Managers of Contemporary Visual Arts (2014) e Meeting of Autonomous Managers of Contemporary Visual Arts :: Cordoba 2011 (2013). E’ membro del team di ricerca “L’autocoscienza storica e la sfera pubblica nel design e nelle arti visive all’inizio del terzo millennio” guidato dal Dr. Fernando Fraenza presso il Centro di Ricerca e Produzione delle Arti, Facoltà di Lettere e Filosofia, UNC. 2358-6060. Professoressa di Storia delle Arti Visive III presso la Scuola di Belle Arti “Dr. José Figueroa Alcorta”, della Facoltà di Arte e Design dell’Università Provinciale di Cordoba. Vive e lavora a Cordoba, Argentina,

https://stay-with-me.org/room-15/

ANDREA MI è stato docente universitario di Nuovi Media, giornalista, esperto di musica elettronica e di cinema sperimentale. Ha dedicato la sua vita alla pratica della Remix Culture, creando format interdisciplinari per festival, club, talk, radio e agenzie di comunicazione. Salentino di nascita, è vissuto a Firenze dall’inizio degli anni ’90 con l’avvio dei suoi studi in Architettura ed è nella sua città d’adozione che ha sviluppato il suo progetto di vita, contribuendo in modo fondamentale alla rinascita culturale della città. Da docente ha insegnato in prestigiosi Istituti come la Libera Accademia delle Belle Arti (LABA), l’Istituto Europeo di Design (IED), Fondazione Fotografia Modena, Fondazione Toscana Spettacolo, materie quali: Storia dell’Architettura Contemporanea, Teoria e metodo dei Mass Media Linguaggi Multimediali, Storia della Comunicazione Pubblicitaria, Management per la Cultura e lo Spettacolo. Ha contribuito alla progettazione di eventi culturale con diverse istituzioni internazionali, quali l’Istituto di Cultura italiana a Tirana e l’Ambasciata Olandese a Roma. Ha collaborato nell’ideazione e diretto festival dalla caratura internazionale che hanno riguardato la musica, le immagini, i media, come: Videominuto al Centro Pecci di Prato dal 1997-2007, Citymix all’interno di Fabbrica Europa, Streamfest: festival di cultura eco-digitale, Fosfeni: Musica: Elettronica e Arti Digitali. Da giornalista ha collaborato per quasi trent’anni con Controradio e ha scritto su diverse testate nazionali, tra cui Il Manifesto, Amarcord, Blow up.

Peter Bialobrzeski vive e lavora ad Amburgo. Ha studiato fotografia e design alla Folkwangschule di Essen e al London College of Printing. I sui lavori sono stati esposti in Europa, Stati Uniti, Asia, Africa e Australia. Ha vinto numerosi premi tra cui due World Press Photo Award, nel 2003 e nel 2010. Dal 2002 è professore di fotografia alla University of the Arts di Brema, Germania. È rappresentato dalla Laurence Miller Gallery di New York e da LA Galerie di Francoforte. Ad oggi ha pubblicato più di diciotto libri fotografici, tra cui Neon Tigers (2004), Lost in Transition (2007), Paradise Now (2009), Case Study Homes (2009), The Raw and the Cooked (2011).

Laura Cionci (Rome, 1980) is an artist and performer. Her research cultivates relational practices to develop creative processes aimed at re-articulating the human energetic potential in its relation to notions of biodiversity and territory.

Her work has been presented in State of Grace, Darebin Art Centre, Melbourne (2020); Vi.Vedo/Viu.Vos, Museu de Arte Contemporânea de Campinas, Saõ Paulo (2019); BienNolo, Milano (2019); 101, the beginning of infinity, MIM, Museum of Innocence, Mildura (2019); Paisaje Privado, Museo Casa de la Memoria, Medellín (2018); Una Mirada al Bosque Vertical, Museo de Arquitectura Leopoldo Rother, Universidad Nacional, Bogotà (2018); Fremantle Biennale (2017), Australia; Bienal de Arte Público, Cali (2016); Teatrum Botanicum, Parco Arte Vivente, Torino (2016); Proyecto H, Museo del Carnaval e Teatro de Verano, Montevideo (2014); and Carnevalma, Centro Cultural Borges, Buenos Aires (2013), among other projects.

Her first book, Stato di Grazia, was published in 2020 by postmedia books.

Francesco Gesualdi has made a name for himself among European critics as one of the most original Italian accordionists engaged in the development and interpretation of contemporary works for the accordion.

He works closely with many of today’s foremost composers, and has built up a wide repertoire as soloist and as chamber musician. He has made more than one hundred performance editions – including world premiere and unreleased recordings – of original compositions for accordion by many international authors of today’s music scene. He has also worked very closely with Sofia Gubaidulina, Mauricio Kagel, Toshio Hosokawa, Wolfgang Rihm, Alessandro Solbiati, Stefano Gervasoni, Matteo Franceschini, Mauro Cardi, Rebecca Saunders, Howard Skempton, Mauricio Sotelo (just to name a few), playng their most important works for accordion (as soloist and as a chamber musician in various instrumental ensemble), some in Italian premiere, others in world premiere. The focus of many of his concerts in Italy, Europe, Australia and America is characterized by ancient music programs (He has written and played trascriptions of works by early composers such C.Gesualdo, A.de Cabezon, G.Frescobaldi, J.S.Bach, D.Scarlatti) and contemporary music programs.

Nato nel Bronx nel 1965 da famiglia caraibica. Come molti altri ragazzi di quel quartiere turbolento, cercava di esprimere la sua rabbia giovanile attraverso una forma spontanea di affermazione d’identità: disegnando graffiti sui malconci muri di case tutte uguali, plumbee ed anonime o sui vagoni malandati e squallidi della metropolitana. Insieme ad alcuni dei suoi “colleghi” di maggior talento, viene notato e nel momento in cui so lancia il Graffitismo come forma d’arte a pieno titolo, Toxic è nel gruppo dei migliori. Compagno di strada di leggende dell’arte contemporanea come Basquiat, Haring, Rammelzee, A One ed altri, Toxic ha partecipato alla crescita di questa corrente artistica underground che dalle strade più povere della metropoli americana è poi approfata in alcune gallerie famose, transitando anche per la Factory di Andy Warhol, e in innumerevoli mostre museali. Toxic ha continuato a lavorare su tele (e muri), trasferendosi in Europa (Francia e Italia). Protagonista ormai di numerose mostre, attualmente Toxic vive e dipinge in Toscana.

Rosa Jijón (born in Quito, Ecuador in 1968, based in Rome from 2000). She is Visual artist, activist, cultural mediator and Cultural Secretary of the IILA, ​​Italo-Latin American Institute. She was Director of the CAC, Centro de Arte Contemporaneo di Quito, Ecuador (2013-2015). She has been part of the project “Women’s Letters” (Cartas de Mujeres) UN Women, as artistic coordinator and documentary film maker and also of the “Sa’r san Project”, which involved through art children of the Roma community in Rome, Italy. Her artistic research is focused on several photographic projects and sociological research, relating to the situation of men and women immigrants in Italy. She represented Ecuador at 54 Venice Biennial (2011).

Rossella Liccione vive ed opera a Firenze presso il suo laboratorio artistico, collaborando con l’Accademia di Belle Arti di Firenze, affiancando i docenti nella Scuola di decorazione, dove ha conseguito il diploma Accademico di I livello in decorazione e successiva specializzazione di II livello in “Arti Visive e Discipline dello Spettacolo” ed un Master in Textile. L’Artista elabora un linguaggio di geometrie irregolari che sfruttano la luce e la trasparenza per esaltare l’intensità del colore.

Adji Dieye is an ItaloSenegalese photographer born in Milan in 1991. She graduated in New Technologies for Art at the Academy of Fine Arts of Brera in Milan. Over the past years she has been traveling between Milan and Dakar, focusing her research on the influence of advertisement in the African visual culture. Her work explores different facets of West African societies; the influence of advertising in the construction of a national identity and the syncretic spirituality that remains central to African communities.

Adji Dieye’s artistic practice pushes the boundaries of photography in an attempt to investigate the archetypes that constitute African visual cultures. In her research, the continent is never considered an end in itself; instead, it represents a bridge towards further investigations into broader social and geopolitical realities.

Born in 1975, Akka, Morocco, he lives and works in Tahanaout next to Marrakech where he teaches art. Using painting, sculpture, drawing or even video, M’barek Bouhchichi develops his work through a tentative language grounded on the exploration of the limits between our internal discourse and its extension towards the outer world, the actual, the other. He places his works at the crossroad between the aesthetic and the social, exploring associated fields as possibilities for self-definition.

Recently, his work has been exhibited as a solo show Les mains noires (Kulte, Rabat, Morocco, 2016), as collective exhibition Documents bilingues (MUCEM, Marseille, France, 2017), as well as Le Maroc contemporain (Institut du Monde Arabe, Paris, France, 2014), Between walls (Le 18, Marrakech, Morocco, 2017).

Sasha Huber (CH/FI) is a visual artist of Swiss-Haitian heritage, born in Zurich, Switzerland in 1975. She lives and works in Helsinki, Finland. Huber’s work is primarily concerned with the politics of memory and belonging, particularly in relation to colonial residue left in the environment. Sensitive to the subtle threads connecting history and the present, she uses and responds to archival material within a layered creative practice that encompasses performance-based interventions, video, photography, and collaborations. Huber is also claiming the compressed-air staple gun, aware of its symbolic significance as a weapon, while offering the potential to renegotiate unequal power dynamics. She is known for her artistic research contribution to the Demounting Louis Agassiz campaign, aiming at dismantling the glaciologist’s lesser-known but contentious racist heritage. This long-term project (since 2008) has been concerned with unearthing and redressing the little-known history and cultural legacies of the Swiss-born naturalist and glaciologist Louis Agassiz (1807-1873), an influential proponent of “scientific” racism who advocated for segregation and “racial hygiene”. Huber has had solo exhibitions such as at the Hasselblad Foundation (Project Room) in Gothenburg and participated in numerous international exhibitions, including the 56th la Biennale di Venezia in 2015 (collateral exhibition: Frontier Reimagined), the 19th Biennale of Sydney in 2014, and in the 29th Biennial of São Paulo in 2010.

Delio Jasse was born in 1980 in Luanda, Angola and lives and works in Milan. In his photographic work, he often interweaves found images with clues from past lives (found passport photos, family albums) to draw links between photography – in particular the concept of the ‘latent image’ – and memory.

Jasse is also known for experimenting with analogue photographic printing processes, including cyanotype, platinum and early printing processes such as ‘Van Dyke Brown’, as well as developing his own printing techniques.

Recent exhibitions include: MAXXI, Rome (2018); Villa Romana, Florence (2018); Biennale dell’immagine, Lugano (solo, 2017); Walther Collection, Neu-Ulm (2017); SAVVY Contemporary, Berlin (2017); Bamako Encounters, Bamako (2017); Lagos Biennial, Lagos (2017); Tiwani Contemporary, London (solo, 2016); Walther Collection Project Space, NY (2016); Dak’art Biennale international exhibition (2016); and the Angolan Pavilion, 56th Venice Biennale (2015). He was one of three finalists in the BES Photo Prize (2014) and won the Iwalewa Art Award in 2015.

Amelia Umuhire, born 1991 in Kigali Rwanda, lives as an artist and filmmaker in Berlin. In 2015 she wrote and filmed her first web series, Polyglot, in which she follows young deracinated London- and Berlin-based Rwandese artists with her camera. The series has been shown at numerous festivals, including the Festival D’Angers, the Tribeca Film Festival and the Geneva International Film Festival, where it was named Best International Web Series in 2015. Her short film Mugabo is an experimental short film set in Kigali. It explores the question of how to return to one´s homeland and how to deal with the past. In 2017 it was awarded Best Experimental Film at the Blackstar Film Festival and is currently touring festivals in North America and amongst others screened at MOCA Los Angeles, the MCA Chicago, the Ann Arbor Film Festival and the Smithsonian African American Film Festival. In 2018 Amelia Umuhire produced the radio feature Vaterland for the German radio station Deutschlandfunk Kultur. It tells the story of her father Innocent Seminega as a young student, teacher, husband and father until his death at the hands of the Hutu extremists. In February this year Umuhire had her first solo exhibition at Decad Berlin.

Nari Ward (nato nel 1963 a St. Andrew, Giamaica; vive e lavora a New York) è noto per le sue installazioni scultoree composte da materiale di scarto trovato e raccolto nel suo quartiere. Ha riutilizzato oggetti come passeggini, carrelli della spesa, bottiglie, porte, televisori, registratori di cassa e lacci delle scarpe.

Ward ricontestualizza questi oggetti trovati in giustapposizioni stimolanti che creano significati metaforici complessi per affrontare questioni sociali e politiche che circondano la razza, la povertà e la cultura del consumo. Lascia intenzionalmente aperto il significato del suo lavoro, consentendo allo spettatore di fornire la propria interpretazione.

Mostre personali del suo lavoro sono state organizzate presso l’Institute of Contemporary Art, Boston (2017); SocratesSculpture Park, New York (2017); The Barnes Foundation, Philadelphia (2016); Pérez Art Museum Miami (2015); Savannah College of Art e Design Museum of Art, Savannah, GA (2015); Museo d’arte della Louisiana State University, Baton Rouge, LA (2014); The Fabric Workshop and Museum, Philadelphia (2011); Massachusetts Museum of Contemporary Art, North Adams, MA (2011); Isabella Stewart Gardner Museum, Boston (2002); e Walker Art Center, Minneapolis, MN (2001, 2000).

Dopo una formazione alla Accademia di Belle Arti di Firenze, inizia la sua carriera lavorando con l’Ensemble di Micha Van Hoecke. Successivamente danza con compagnie quali Dorky Park/ Constanza Macras (Berlin), Compagnia Virgilio Sieni, Aldes/ Roberto Castello, Company Blu/ Alessandro Certini e Charlotte Zerbey, En-Knap Group/ Iztok Kovač (Ljubljana), Làszlò Hudi (J.Nadj – Budapest), tra le altre.
Nel 2009 è parte di Choreoroam, progetto di ricerca della coreografa israeliana Yasmeen Godder (Tel Aviv). Successivamente è invitata a seguire il lavoro della compagnia Batsheva Dance Company di Ohad Naharin.
Parte integrante della sua attività è inoltre l’improvvisazione e la composizione in tempo reale. Dal 2011 comincia a lavorare a creazioni personali.
A novembre 2014 debutta con il nuovo lavoro Intorno al fatto di cadere a Romaeuropa/DNA. Con questo lavoro nasce la collaborazione con l’artista/ costumista Chiara Pellizzer a Malmö. Successivamente è chiamata da Virgilio Sieni a presentare un nuovo lavoro all’intero del progetto “Umano/ produzione CANGO / cantieri internazionali sui linguaggi del corpo e della danza” per il quale crea Studio davanti a una testa. Nell’anno 2017 è scelta come danzatrice dell’anno da Tiago Bartolomeu Costa nel libro annuale della danza, balletto e performance 2017, “Jahrbuch 2017 der tanz – Zeitschrift für Ballett, Tanz und Performance”, con “40.000 centimetri quadrati”:Tänzerin des Jahres: “Claudia Catarzi (Italy) in 40.000 centimetri quadrati – Tiago Bartolomeu Costa.
Claudia Catarzi è attualmente artista associata del CDCN di Bordeaux, La Manufacture | Bordeaux- Nouvelle Aquitaine.

Con lo studio a due “Posare il tempo”, Catarzi prosegue la propria ricerca sulle figurazioni, sui parametri della sua composizione e sul ritmo dei suoi paesaggi in movimento, visitati in un viaggio intimo e in una dimensione psicologica partecipata di sottile e forte impatto. La relatività delle connessioni è nella trama del suo operare scultoreo, in dialogo con il suono, per una scrittura scenica peculiare, per una costellazione pittorica di elementi corporei asciutti, privi di ogni compiacimento. Gli istanti, da decifrare e inseguire, si concatenano a opera della pura presenza in un’idea dell’arte del corpo raffinata, controllata, ampliata nei dettagli di una partitura dinamica esatta che elabora segni poetici in un montaggio accuratissimo, scevro di descrizioni nella propria chiarezza nettamente modellata e scandita. Lo studio è stato presentanto alla Biennale Danza Venezia 2020

Adelaide Mancuso è una attrice fiorentina laureata nel 2009 al Corso di laurea triennale DAMS di Bologna e diplomata come attrice al Teatro Metastasio. Durante il percorso formativo collabora con Paolo Magelli, Marcello Bartoli, Riccardo Massai e Silvia Guidi. Conclusi gli studi si trasferisce in Francia dove lavora con il Circo Le Lido a Tolosa e la Compagnie Cie Diaghramm a Agen. Trascorsi due anni in Francia si trasferisce a Barcellona e lavora con il Teatro de los Sentidos per altri 2 anni.

Mohamed Keita was born in Côte d’Ivoire in 1993. At the age of 14, he left his country in the middle of a civil war to travel alone between Guinea, Mali, Algeria and Libya, where he embarked to cross the Mediterranean. After landing in Malta, he managed to reach Italy in 2010. When he arrived in Rome, at the age of 17, he lived on the street for a few months and began to attend the Civico Zero day care centre for minors in Savethechildren, where he was given his first camera.
He lives and works in Rome where he teaches photography at the Civico Zero center. In 2017 he opened a workshop for street children in Mali.

Main exhibitions and awards:

“Piedi, scarpe, bagagli”, Camera dei Deputati, Roma, 2012
“Ritratti”, XII Festival Internazionale di Roma, MACRO, Roma, 2014
Premio ‘young/old photographer’ PHC Capalbio fotografia, 2015
“Desperate crossing” mostra di Mohamed Keita e Paolo Pellegrin, Istituto italiano di cultura di New York, 2016
“Par l’errance”, Centro d’arte contemporanea Luigi Pecci, Prato, 2018
“Rothko in Lampedusa”, mostra collettiva organizzata da UNHCR, Fondazione Ugo e Olga Levi, Venezia, 2019

Piero Mottola is an experimental artist and musician, professor of Sound Design and Ornamental Plastic at the Accademia di Belle Arti of Rome. Director of the LER Laboratorio di Estetica del Rumore, He formed himeself within the Eventualist Theory at the Centro Studi Jartrakor in Rome, where in 1988 he held his first solo exhibition with interactive experiments “Improvement-Degradation” and “Bello-Brutto”. He investigates the subjectivity and free interpretation of the user to visual and sound structures through experiments and measurements. He has been invited by several international universities to give lectures and to carry out master’s degrees on the relationship between noise and emotion. The results of these researches have been published in the book Passeggiate emozionali, dal rumore alla Musica Relazionale (Emotional Walks, from noise to Relational Music), presented in several Italian and international universities and in the cultural transmissions of the Italian radio and television, Rai Uno, Rai Radio Tre and Radio Cultura Argentina. These researches have also been presented in several national and international museums: MAMBA, Museo Arte Moderno, Buenos Aires (2013); Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Rome (2013); MACRO, Museo d’arte contemporanea, Rome (2015, 2017; 2018); Museo Hermann Nitsch-Fondazione Morra, Napoli (2009, 2015, 2019); MAC Museo d’arte contemporanea, Santiago del Cile (2016); Beijing Institute of Graphic Communication (2017); Istituto di Cultura Italiano, Pechino (2017); Museo della Certosa di S. Lucia, Rome (2018); Museo della Certosa di S. Martino, Castel S. Elmo, Naples (2018, 2019); CCK Kirchner Cultural Center, Buenos Aires (2019); Istituto Italiano di Cultura, Buenos Aires (2019).

Lucia Baldini vive a San Giovanni Valdarno, punto di partenza del suo viaggio fotografico. Fin dai primi anni di lavoro, facendo parte della casa discografica Materiali Sonori, attraverso mostre, copertine di dischi e collaborazioni con testate musicali, le sue immagini sono divenute un’importante testimonianza della scena underground musicale degli anni Ottanta. Lavora come fotografa di scena per molte compagnie e festival di teatro e danza. Dal 1990 trova una forte affinità con la cultura del tango argentino. Nel 1997 pubblica il libro fotografico “Giorni di Tango” che diviene il catalogo della mostra omonima. Entra in contatto con le più interessanti realtà legate al tango argentino e nel 2001, in collaborazione con la giornalista Michela Fregona, realizza il volume “Anime Altrove – luoghi e genti del tango argentino in Italia”. Nel 1996, con lo spettacolo “Omaggio a Nijinsky”, diretto da Beppe Menegatti, inizia la collaborazione con Carla Fracci, che durerà per oltre 12 anni. Nel 2003 pubblica per la Materiali Sonori il libro fotografico: “Banda Improvvisa, cinquanta angeli musicanti sospesi su un cielo di note “. Nel 2005 i libri vengono pubblicati due nuovi progetti editoriali: “Carla Fracci – Immagini”: una monografia fotografica che testimonia la lunga collaborazione con la Fracci, e “Tangomalìa”, i due libri divengono mostre che vengono accolte in Italia e all’estero.

Il diario popolare è un archivio di memorie collettive costruito da cittadini che attraverso la condivisione di interviste, ricordi e documenti creano un museo dell’immateriale.

Zhang Xiang. Nasce nel 1982 a Dazhou, provincia di Si Chuan. Si è diplomato in Scultura all’Accademia di Belle Arti di Sichuan con un Master in Scultura nel 2010, ha studiato come Visiting Scholar al Academy of Art liberty vision of The Hague. Attualmente è docente di Scultura dell’Accademia di Belle Arti di Sichuan, Direttore del cross-media studio, membro della Chongqing Sculpture Society e anche corrispondente speciale della Chinese Sculpture Society. Le sue opere sono state collezionate dal China Sculpture Society, dal Hubei Museum of Art, dal The Gallery Magazine e anche collezionisti privati.

Giancarlo Cauteruccio è nato a Marano Marchesato, Cosenza, il 1 luglio 1956. Dal 1975 vive e opera a Firenze. Presso l’Università di Firenze ha studiato arte e architettura. Giancarlo Cauteruccio è un regista, uno scenografo e un attore. Cauteruccio è uno dei registi più innovativi nell’area della seconda avanguardia teatrale italiana. Giancarlo Cauteruccio ha inoltre svolto attività didattica in Italia e negli Usa. E’ direttore artistico del Teatro Studio di Scandicci, in provincia di Firenze, dal 1992. Dal 2003 dirige la Collana di teatro delle Edizioni della Meridiana ed è docente incaricato per il Corso di Scenografia presso la Facoltà di Architettura dell’Università di Firenze. Dal 2004 è responsabile delle attività teatrali e degli eventi urbani del Comune di Scandicci. Giancarlo Cauteruccio ha partecipato tra il 2005 e il 2006 come curatore al Laboratorio di ricerca per studenti universitari sulle metodologie e tecniche per il progetto dell’evento urbano organizzati in collaborazione con Accademia di Belle Arti, Isia, Facoltà di Architettura dell’Università di Firenze. Il laboratorio ha affrontato temi come la sperimentazione dei sistemi illuminotecnici, macchinerie tecnologiche applicate alle arti sceniche ed era finalizzato alla realizzazione di un evento scenico nello spazio urbano.

LWCircus is the Italian – Mexican Operative Shared Program born in the 2016, following to a critical rereading of the guide lines delineated along the pluriannual experience of coordination inside of successful international operative programs and looking for a systematization of alternative methodologies based on social practices and an improvement of tools and devices, able to give life to long term process in term of sustainable development and responsible valorization. The Program focuses specifically on experimental modalities in searching new strategies for sustainable urban and rural development on sensitive natural areas and territories under transition (anthropologic, socio-economic and environmental aspects), together with a responsible valorization of cultural landscapes inside Mediterranean and the developing Countries.

He lives and works in Yamagata, Japan. He graduated at the Tokyo University of the Arts, (formerly, Tokyo National University of Fine Arts and Music), where He received M.F.A. of Inter Media Art course in 2008, Japan. In 2009 He Joined Niigata Water and Land Art Festival 2009 Niigata, Japan, selected by Fram KITAGAWA.
Also “No man’ s land” Ambassade de France au Japan, Tokyo, Japan in 2009-2010, directed by the Franch embassy. After Joined Tokyo Midtown Award 2010, Tokyo Midtown, Tokyo, Japan in 2010, He received a grant Shou Foundation (private) from Okayama Japan. With the grant traveled around Asia to study the source of own my culture, especially Animism, Shinto-ism and Buddhism for a year, 2013. Back to Japan and Founded a studio and an art production corporation, in Yamagata in 2014.
Awards and Grants are Second place for Graduated Exhibition Tokyo University of the Arts 2008, Tokyo Midtown Award 2010, Shou foundation 2011, International Photography award 2012,PX3, etc. In 2016, joined ARCHITECTURE BIENNALE 2016 at Japanese Pavilion in Venice, Italy, cooperation with SHINGO MASUDA and OTUBO KATSUHISA.

Michelangelo Pistoletto was born in Biella in 1933. He began to exhibit his work in 1955 and in 1960 he had his first solo show at Galleria Galatea in Turin. An inquiry into self-portraiture characterizes his early work. In the two-year period 1961-1962 made the first Mirror Paintings, which directly include the viewer and real time in the work, and open up perspective, reversing the Renaissance perspective that had been closed by the twentieth-century avant-gardes. These works quickly brought Pistoletto international acclaim, leading, in the sixties, to one-man shows in important galleries and museums in Europe and the United States. The Mirror Paintings are the foundation of his subsequent artistic output and theoretical thought.
In 1965 and 1966 he produced a set of works entitled Minus Objects, considered fundamental to the birth of Arte Povera, an art movement of which Pistoletto was an animating force and a protagonist. In 1967 he began to work outside traditional exhibition spaces, with the first instances of that “creative collaboration” he developed over the following decades by bringing together artists from different disciplines and diverse sectors of society.
In 1975-76 he presented a cycle of twelve consecutive exhibitions, Le Stanze, at the Stein Gallery in Turin. This was the first of a series of complex, year-long works called “time continents”. Others are White Year (1989) and Happy Turtle (1992).
In 1978, in a show in Turin, Pistoletto defined two main directions his future artwork would take: Division and Multiplication of the Mirror and Art Takes On Religion. In the early eighties he made a series of sculptures in rigid polyurethane, translated into marble for his solo show in 1984 at Forte di Belvedere in Florence. From 1985 to 1989 he created the series of “dark” volumes called Art of Squalor. During the nineties, with Project Art and with the creation in Biella of Cittadellarte – Fondazione Pistoletto and the University of Ideas, he brought art into active relation with diverse spheres of society with the aim of inspiring and producing responsible social change. In 2003 he won the Venice Biennale’s Golden Lion for Lifelong Achievement. In 2004 the University of Turin awarded him a laurea honoris causa in Political Science. On that occasion the artist announced what has become the most recent phase of his work, Third Paradise.
In 2007, in Jerusalem, he received the Wolf Foundation Prize in the Arts, “for his constantly inventive career as an artist, educator and activist whose restless intelligence has created prescient forms of art that contribute to fresh understanding of the world.”
In 2010 he wrote the essay The Third Paradise, published in Italian, English, French and German. In 2012 he started promoting the Rebirth-day, first worldwide day of rebirth, celebrated every year on 21st December with initiatives taking place all around the world.
In 2013 the Louvre in Paris hosted his personal exhibition Michelangelo Pistoletto, année un – le paradis sur terre. In this same year he received the Praemium Imperiale for painting, in Tokyo.
In May 2015 he received a degree honoris causa from the Universidad de las Artes of Havana in Cuba. In the same year he realizes a work of big dimensions, called Rebirth, situated in the park of the Palais des Nations in Geneva, headquarters of the UN.
In 2017 the text written by Michelangelo Pistoletto Ominitheism and Demopraxy. Manifesto for a regeneration of society was published.
Between 2018 and 2020 the activity of the Third Paradise has further intensified, in particular through the development of an international network of Embassies and Forums. In these same years he has been particularly active in various South American countries, with personal exhibitions and a series of initiatives linked to the Third Paradise.

Olivier is known for large-scale installations which provoke a disruption of public and private spaces. Familiar forms, altered in function and medium, create uncanny meditations on stagnancy, division and the weight of materiality. Her installations explore the poetics of space and the role of the viewers in shaping their own experience and engagement.

Lucio Ruvidotti, is a young author active in the world of self-productions and on the page of the weekly Pagina99, his recent book portrays “The Prince of Darkness” in a biographical novel full of rhythms, colors and experimentation that gives natural evolution to an icon of the BD Rock necklace.

Giuseppe Toscano è nato a Catania nel 1976. Formatosi presso la Fondazione Studio Marangoni di Firenze, dal 2003 lavora per la stessa scuola come insegnante di fotografia, organizzatore e coordinatore delle attività didattiche.

Martino Marangoni si è formato presso il Pratt Institute di New York, dal 1977 al 1993 è stato docente di fotografia dello Studio Arts Center International di Firenze. Nel 1991 ha istituito la Fondazione Studio Marangoni: Iniziative di Fotografia Contemporanea, di cui è presidente. Da quella data, Marangoni affianca la sua ricerca personale alla promozione della cultura fotografica a livello internazionale attraverso attività didattiche ed espositive e l’assegnazione di premi.

Davide Virdis, Sassari 1962, vive a Firenze. Si è laureato in architettura. Lavora professionalmente come fotografo di architettura e territorio, realizzando campagne di analisi ed interpretazione dello spazio e delle sue relazioni con le attività umane. Dal 1998 conduce, per conto dell’Amministrazione Provinciale di Sassari, una ricerca finalizzata alla creazione di un archivio fotografico sul paesaggio contemporaneo del nord Sardegna.

Born in Florence in 1933, has been active since the 1950s. He studied first in Milan, then in other areas of Europe where he matched wits with other talents and came into contact with the work of the great European abstractionists from whom he learned the lessons of strict formal rigour. In the 1960s, his production shifted from abstract-geometric works to compositions showing an absolute sensibility for colour and, in the 1970s, to research and use of new materials. His works of this period are characterised by use of corrugated cardboard. In the works of the 1980s, he undertook intense research into colour in relation to space, creating works from which colour as a strong aspect of his personality is easily deduced. In the 2000s, Masi began using such new materials as Plexiglas, with which he has created rectangular and round works in brilliant colours. Since his early experiences with Informale painting and concrete abstractionism, Masi’s work has been articulated, complex and diversified at the technical-linguistic level. His works become conceptual markers in the landscape and, in the case of his Polaroids, act as analytic studies of urban codes. His intensive activity continues and is acknowledged both in Italy and abroad; his works are featured in the collections of MART of Rovereto, the Galleria d’Arte Moderna of Palazzo Pitti in Florence and the Galleria d’Arte Moderna of Turin, the Museo Pecci of Prato and the Museo Novecento of Florence. His works are all characterised by an unceasing experimental evolution capable of extending even to broad urban spaces.

A Son of Art (his father is a watercolour painter) Wong was born in Portuguese Macau in 1977. In 1996, he studied Sculpture at The Guangzhou Academy of Fine Arts, and gained a Master’s Degree in 2003. During his university life, he travelled The Silk Road and was inspired by what he saw there. Wong’s practice, both pedagogical and his production of art, are deeply informed by his experience of living in a colony where the acts of aggression and ‘civilization’ nurture each other. Long is currently lecturing at the Polytechnic University of Macau.

Guo Jie Cai is an installation artist, teacher and curator. Born in Hsin Chu, Taiwan, he moved to Macau in 2011. Cai was awarded a BA in Painting and a MFA in Installation at National Taiwan University of Arts. He now focuses on painting, art installation, art curating and teaching. He is currently lecturer at the School of Arts of Macau Polytechnic Institute; Art instructor at Institute for Tourism Studies; Visual-Art instructor at Macau Art Museum; Youth member of Macau Artists Society; vice director of Art For All Society; and art consultant at Wind Box Community Development. The most recent solo exhibitions include “As Memory Whispers”, Nan Vam Lake Art Gallery , Macau Artists Society , Macau; “Between States of Mind –Cai Guo Jie Solo Exhibition”, New Tile House, Innoart, Taiwan; “Cores da cidade de Macau”, Rui Cunha Foundation Gallery, Macau, China

Lisa Mara Batacchi si forma al Polimoda di Firenze con una lurea in fashion design lavorando in seguito per vari marchi di alta moda, in particolare per Vivienne Westwood a Londra. Successivamente consegue una laurea in Arti Visive presso l’Accademia di Belle Arti di Firenze. Le sue opere sono state esposte in numerose mostre personali e collettive, fra cui ricordiamo: 2°Something Else Cairo Biennale, Murate Art District (personale) a Firenze, Manifesta12 evento collaterale a Palermo, Art & Globalization Pavillion durante la 57a Biennale di Venezia, Dust space gallery a Milano, 4°Land Art Mongolia Biennale a Ulan Bator, Textile Arts Center a New York, Villa Ada a Roma, Clark House Initiative (personale) a Bombay, Villa Pacchiani a Pisa, riss (e) Zentrum (personale) a Varese, Mac, n a Pistoia. È vincitrice, tra gli altri, del premio italiano Movin’up per giovani artisti italiani all’estero. Negli ultimi anni ha tenuto laboratori e collaborato a progetti educativi con Palazzo Strozzi a Firenze, con ACAF Foundation a Shanghai, con Siena Art Institute, con Lottozero a Prato.

Eric Fok is an artist born in the later era of Portuguese Macau. With his maps and his meticulous brushwork Eric explores Macau’s identity by showing its transformations, developments and postcolonial phenomenon, merging space and time in a new fascinating dimension. His works were included in “Illustration Exhibition -Bologna Children’s Book Fair (2013)”, “Art Nova100 in China”, and the Portugal Oriental Foundation Art Award and are collected by The Orient Museum (Portugal), the University of Hong Kong  Museum and Art Gallery, the Macau Government Headquarters, the Cultural Affairs Bureau of the Macau S.A.R., and the Oriental Foundation (Macau). Website: www.behance.net/EricFok

Victoria DeBlassie è nata e cresciuta ad Albuquerque, New Mexico. Ha studiato presso The University of New Mexico nel 2009 e il California College of the Arts nel 2011. Di recente, ha ricevuto una borsa di studio Fulbright per l’Italia per l’anno accademico 2012-2013. Ha partecipato a numerose residenze artistiche, come F.AIR a Firenze, Italia, Atelier Real a Lisbona, Portogallo, Lakkos AIR a Heraklion, Crete, e più recentemente Apulia Land Arts Festival a Margherita di Savoia, Italia. Ha esposto a livello nazionale e internazionale, in sedi tra cui [AC] 2 Gallery di Albuquerque, NM, The de Young Museum di San Francisco, CA, e la Fondazione Biagiotti Progetto a Firenze, Italia. http://www.victoriadeblassie.com

Maria Nissan è un’artista installativa diplomata allo Studio Arts College International con una laurea in educazione artistica e una in disegno e pittura alla University of Georgia. Durante il suo soggiorno a Firenze Maria si è dedicata alla realizzazione di installazioni immersive e sensoriali. Il suo lavoro crea un’esperienza attraverso la trasformazione e manipolazione del riciclo organico dei materiali e coinvolgendo tutti i sensi. “Il mio lavoro vuole investigare i temi centrali dell’identità culturale e il concetto etereo di casa. Provenendo da una famiglia irachena e assira, con una educazione di stampo americano, il mio contesto genera il mio desiderio di creare progetti artistici multiculturali. Questi progetti legano insieme tendenze diverse e a volte opposte nel mio essere come i paesi nei quali ho sviluppato il mio lavoro.” www.marianissan.com

Ignas Krunglevičius works as a composer and visual artist. He creates sound and image installations, videos, and objects that explore the psychology of power games and the working of the human psyche.

The sound in this work revisits Good Boy Bad Boy (1985), a work by the US artist Bruce Nauman, from the present viewpoint. The actors who performed Nauman’s work have been replaced by the latest voice synthesis technology, which can simulate emotional inflection, while the script has been altered to reflect the language of social media self-presentation.

Ieva Rojūtė in her works explores connections between people, the family construct, conflicts in the individual’s identity and everyday folklore. The main themes she keeps revisiting are the possibility of failure, misfortune, anxiety, fear, fantasy, not succeeding in life. In the site-specific installation Lithuanian sadness, the artist combines in a different way some phrases from previous works: «Using some sad sayings I have collected about life and surviving when there is nothing bad happening but feels like nothing good will either. »

Arnas Anskaitis is an interdisciplinary artist, in his works he synthesizes experiences from different areas including photography, film, sound art, philosophy and even linguistics. His new video installation Letters from Home reflects on the connections between language and perception: «Writing interests me not only in the context of language but also from the position of handwriting. How did letters of the alphabet emerge? It seems they were shaped by a human hand. What would letters look like, if they were written not on a flat sheet of paper, but in simulated three-dimensional space?» 3D models of cursive letters exhibited as video projections produce a stream of images. Literary and imaginary meaning overlap, with reference to the origin of writing itself, that is one of the fundamental elements of our human identity.

Andrej Polukord draws on painting, installation, performance, and video art to create unpredictable environments and absurd situations that produce double meanings and ambiguity: «What especially interests me is creating a feeling of surprise. The absurd liberates us from the seriousness that otherwise always sets the tone in our life.» In this case the artist uses a big wall printing, a video and a series of small ceramic sculptures – elements between natural and artificial – in order to elaborate, in an imaginative way, one of the “star” of the Lithuanian nature, the mushroom: a symbol of seeking and finding (as a surprise).

Katrinem nasce nel 1969 ad Augsburg, vive e lavora a Linz e a Berlino. L’esame del suono e dello spazio è da tempo parte integrante del suo lavoro artistico.
Da oltre 12 anni, Katrinem studia la fruizione pedonale delle città e la relativa percezione spaziale. Due aspetti della sua attuale ricerca artistica sono: osservare un sito (Platzstudien) e sperimentare personalmente lo spazio mentre si cammina (SchuhzuGehör). Collabora con con artisti e ricercatori come Sam Auinger, Elena Biserna, Gernot Böhme, Elen Flügge, Annea Lockwood, Bruce Odland, Holger Schulze, Penelope Wehrli u.a.

 (Shkodër, Albania, 1969) is one of the best-known artists on today’s international art panorama. His works (paintings, installations, videos, photographs) investigate the human condition, man as a being in continual transit, and the complexity of the social, political and cultural dynamics that define our present. After studying painting at the Academy of Fine Arts of Tirana, Paci left his native Albania in 1997 for Milan, where he still lives and works. His art has been shown at solo exhibitions at numerous international venues including Rome’s Museo MAXXI (2015); MAC, Musée d’Art Contemporain of Montréal (2014); Padiglione d’Arte Contemporanea – PAC in Milan (2014); Jeu de Paume in Paris (2013); MAMCO, Musée d’art moderne et contemporain of Geneva (2013); the National Gallery of Kosovo in Pristina (2012); the Kunsthaus Zurich (2010); the Bloomberg Space in London (2010); the Center for Contemporary Art – CCA of Tel Aviv (2009); New York’s MoMA PS1 (2006); the Moderna Museet of Stockholm (2005); the Contemporary Arts Museum of Houston (2005). Among the many collective showings at which he has exhibited: 7th Bi-City Biennale of UrbanismArchitecture (UABB), Nantou Old Town, Shenzhen; 14th Venice Biennale of Architecture (2014); 48th and 51st Venice Art Biennale (1999 and 2005); 15th Biennale of Sydney (2006); and the Biennale de Lyon (2009).

PAST EXHIBITIONS / WORK EXPERIENCE

2019Tapestry weaver, prototypes for Man Fashion Show – Jil Sander – Milan, Italy
Tapestry and Hand Weaving Teacher – Lottozero, Prato, Italy
FAST- Florence Art Science Technology – Teatro del Maggio Musicale, Florence, Italy
Irene Davies Award for Small Tapestries – Australian Tapestry Workshop, Melbourne, AUS
YTAT Young Textile Art Triennial – Strzemiński Academy of Fine Arts Łódź – Łódź (Poland)
Art Residency at Faculty of Geology – FAST Project, Florence, Italy
Rassegna Biennale Fiber Art – group exhibition, Spoleto, Italy

2018Faccia Trama, Master Textile final exhibition – Le Murate Pac – Florence, Italy
Internship at Giuditta Brozzetti Hand Weaving – Perugia, Italy
Figurazioni Musicali – group exhibition, Officina d’Arte e Tessuti, Spoleto, Italy
Trame d’Autore 2.0 – group exhibition, Imbiancheria del Vajro, Chieri, Italy

2017Muratessili – Le Murate. Progetti Arte Contemporanea. Art Residency and final solo exhibition, Florence
Trame a Corte – group exhibition, Rocca di Sala Baganza, Italy
Fiber Art II Contaminazioni – group exhibition, Spoleto, Italy
Young Fiber Contest II – Maria Luisa Sponga Award, Imbiancheria del Vajro, Chieri, Italy
Memoria Tessile _sul filo dei diritti – group exhibition, Casa della Memoria e della Storia, Rome
Valcellina Award 10th edition – Palazzo d’Attimis, Maniago, Italy

2016Sculture Tessili – group exhibition, Museo Civico Archeologico di Anzio, Italy
Trame a Corte – group exhibition, Rocca di Sala Baganza, Italy
Young Fiber Contest – Maria Luisa Sponga Award, Imbiancheria del Vajro, Chieri, Italy
Italia – Polonia. Suggestioni delle presenze polacche in Italia – group exhibition, Galleria Spazio 5, Rome, Italy

2008 – 2016Web and Graphic Designer

2011Dissipatio HG – group exhibition, Chiostro di Voltorre, Italy
Dissiparty – group exhibition, Parco Morselli, Gavirate, Italy2007-2008
Assistant of Sissy Rizzatto (artist), Angela Florio (artist and house decorator), Katja Noppes (artist),
Italo Zuffi (artist), Milan, Italy

2005Gemine Muse – Young Artists in European Museums – group exhibition, Amstelkring Museum, Amsterdam (The Netherlands)
Who Uses the Space? – group exhibition, Isola Art Center, Milan, Italy

PRIZES AND AWARDS

2019Grant for Studio Space – Coworking for Young Professionals – Regione Toscana, Prato, Italy

2018Scholarship for the results obtained at the Master in Textile, TIAC International – Florence, Italy

2017Art Residency, Toscanaincontemporanea 2017 – -Le Murate P.a.c. Florence, Italy

2016Honorable Mention for the work “Circuit”, Young Fiber Contest – Maria Luisa Sponga Award, Chieri, Italy
Second Prize for the work “Silk Road”, Trame a Corte, Rocca di Sala Baganza, Italy

EDUCATION

2018Master in Textile – Creation of Art Fabrics, Accademia di Belle Arti di Firenze e Fondazione Arte della Seta Lisio, Florence, Italy

2015 – 2017Tapestry Vertical loom, Scuola delle Arti Ornamentali San Giacomo, Rome, Italy
Hand Weaving Horizontal loom 4 e 8 harnesses, Scuola delle Arti Ornamentali San Giacomo, Rome

2016Natural indigo dyeing and shibori techniques, Rosella Cilano, Associazione Tintura Naturale, Milan
Felt and silk, seminar, Sergio Milioni e Daniela Costanzo Giorgio, Accademia Koefia, Rome

2015Intangible Cultural Heritage, Workshop on the Unesco Convention for the Safeguarding of the Intangible Cultural Heritage, UNESCO – Regione Lombardia, Italy and Switzerland

2002 – 2007Product Design, Art and Design, 4 years BA, Nuova Accademia di Belle Arti , Milan, Italy

Dopo avere partecipato ad innumerevoli programmi di residenza d’artista in Ghana, Iran, Palestina, Brasile, e Colombia, Yeom attualmente vive e lavora a Seoul, Corea. La sua opera si focalizza su storie sociopolitiche in relazione a luoghi, principalmente lavorando con installazioni video a canale singolo. La sua mostra più recente è stata All Exiles Have A Hidden Luck (Tutti gli Esili Hanno Una Fortuna Nascosta) al Centro d’ Arte Sonje (Seoul 2015) in cui esplora il complesso ed ironico concetto di esilio che al contempo è volontario ed involontario, sociale ed estremamente individuale, trasferimento fisico e nomadismo mentale. Jihye Yeom ha conseguito un BFA dall’Università Nazionale di Seul, un Master dal Central Saint Martins ed un MFA a Goldsmiths, l’Università di Londra.

Realtà e illusione in queste scene si mescolano così magistralmente da renderle inscindibili, creando una realtà tangibile alternativa dove elementi caratterizzanti della fotografia vengono usati per rendere questa “verità” inconfutabilmente vivida. Per arrivare a questo risultato l’artista compie innumerevoli e meticolose modifiche alle sue fotografie, mentre disegna a primo getto, rivelando così molto chiaramente il processo di conflitto tra coscienza e subconscio. Il lungo viaggio per trovare cose e scene nella realtà comincia quando un schizzo di idea è realizzato. Poi, le centinaia di scene raccolte dalla macchina fotografica durante il viaggio sono montate come un fine collage. Come per gli ‘oggetti trovati’ dei surrealisti, le cose, frutto dell’incontro di coincidenze e inevitabilità, incarnano l’intenzione e il desiderio dell’artista. È nelle aperture di spazio e tempo che cose ultraterrene sono create con un sforzo così grande e, sebbene ultraterrene, queste nascono dalla realtà.

Scultore di formazione, Kim lavora primariamente con polvere di acciaio sulla tela neutra fin dagli ultimi anni ‘90. Macinando faticosamente sbarre metalliche, Kim riduce il ferro solido in polvere, trasformando un materiale forte e freddo in uno morbido e delicato. Usando forme calligrafiche, Kim applica la polvere sopra la tela come un flusso poetico di coscienza, mentre la colla poliuretanica ne ferma la sua volatilità sul supporto. Create orizzontalmente, le tele sono successivamente elevate verticalmente, permettendo alla gravità di portare verso il basso le polveri ancora sciolte. Le parole scritte in coreano non sono lette né da sinistra a destra né il contrario, ma fluiscono in un percorso non lineare. Non è importante capire ogni parola perché il significato del poema si arrende al significato espresso dal dipinto nel suo complesso come panorama poetico. Nella sua de-materializzazione dell’acciaio, una materia prima per la guerra ed il mercantilismo moderno, Kim rappresenta l’umiliazione del genere umano nella sua continua necessità di progresso.

Yiyun Kang è internazionalmente riconosciuta per i suoi progetti di video mapping. Piuttosto che concentrarsi sulla creazione di oggetti, lei esplora lo sviluppo di ambienti relazionali attraverso installazioni che si attuano nello spazio tramite proiezioni site specific. Il suo lavoro è stato esposto in diversi musei e gallerie d’Europa, Asia e Stati Uniti, ha partecipato vari programmi di residenza, incluso quello del Victoria and Albert Museum (Londra) ed il Museo Nazionale di Art Contemporanea della Corea. Il suo lavoro è stato mostrato a Museo di Arte di Seoul, Museo di Arte Contemporaneo di Taipei e alla Biennale dell’Architettura di Venezia del 2014. Ha conseguito una Laurea in Belle Arti all’Università Nazionale di Seoul ed un Master in Belle Arti al dipartimento di Design & Media Art dell’ UCLA (California, USA). A seguito del Master in Belle Arti (MFA) negli Stati Uniti, Kang lavorò, ed insegnò in Corea per 3 anni, per poi successivamente trasferendosi a Londra, dove attualmente lavora e studia per conseguire un Dottorato al Royal College of Art .

Sungpil Han crea arte principalmente attraverso la fotografia, il moving image ed installazioni per sostenere ed esaminare argomenti filosofici, problemi ambientali, ricerche di archetipi e relazioni tra realtà e le sue rappresentazioni, intese come gli antipodi di “vero” e “falso”. Assieme all’indagine sulla complessità delle diverse culture, l’artista esplora anche il soggetto della natura, proponendo nuove interpretazioni del nostro quotidiano. La sensibilità di Sungpil include nel suo lavoro umorismo e nel contempo elementi sublimi di bellezza. Sungpil ha conseguito un BFA in fotografia dall’Università di Chung-Ang, Corea e un Master in Curatela  del Design Contemporaneo, un programma congiunto offerto dall’Università di Kingston ed il Museo di Design di Londra.

Minjeong Geum, vive e lavora a Seoul. Utilizza una varietà di mezzi espressivi tra cui la scultura, il video, lo spettacolo e l’installazione site-specific. La memoria collettiva e lo spazio sono questioni fondamentali nella sua ricerca. Concentrandosi sul contesto storico e la densità che certi spazi posseggono, l’artista deduce specifiche caratteristiche interne ed architettoniche come struttura della sua rappresentazione visuale. L’artista ricrea spazi privati e pubblici, realizzando resoconti nuovi ed ambigui. Guem ha conseguito un DFA dall’Università di Yonsei, Seoul, un MFA ed un BFA dall’Università di Hongik, Seoul. Ha completato importanti progetti d’arte pubblica commissionati da Lexus e Samsonite in Seoul e Busan. Nel 2014, Guem prese parte a ‘Green River’, un progetto di Residenza d’Artista di scambio Corea / Taiwan realizzato in Tamsui, Taiwan. I suoi lavori sono parte di collezioni private e pubbliche incluso il Museo d’Arte di Kumho e Museo d’Arte di Seoul.

Fin dal completamento degli studi alla Scuola di Belle Arti ‘Slade’ (UCL, Londra) nel 2007, Chan-Hyo Bae ha espresso nel suo lavoro sentimenti di estraniazione culturale ed emotiva, sperimentati dall’artista durante il periodo di studio in Inghilterra. La sua serie Existing in Costume (Esistendo in Costume), con meticolosa ricerca del dettaglio, crea scene elaborate di sé stesso come nobildonna occidentale, dall’epoca Elisabettiana fino all’età della Reggenza. Questa ricerca dell’individuo all’interno di una narrazione identitaria collettiva nazionalistica viene ulteriormente sviluppata nelle sue ultime opere che prediligono come soggetto il regno delle fiabe occidentali, storie che hanno permeato la nostra cultura e plasmato la nostra psiche. La sua ricerca attuale descrive il soggetto della punizione in riferimento all’esercizio del potere.

Born in 1975, Nirveda Alleck is a multidisciplinary artist living and practicing in Mauritius. She undertook her studies at Michaelis School of Fine Art in South Africa (BAFA 1997), and did her MFA at the Glasgow School of Art in Scotland in 2001. Formerly a lecturer in Art Education in Mauritius, Alleck worked as an Art Consultant at the Aapravasi Ghat World Heritage Site in Mauritius, and is currently lecturing part time for the Master of Visual Arts course at the University of Mauritius.

Bikoro is a conceptual artist from the region of Woleu-Ntem in North Gabon and is presently based in Berlin. A 10 year long battle with Leukaemia Cancer during their youth transposed her into different environments and languages in the Netherlands, France, UK, Brazil and Germany inevitably challenging her political positions, citizenship and feeding into her transdisciplinary practice as a visual activist, writer and teacher. The artist merges archeology, sonic radio, writing, textiles, sculpture, live art performances, film & archives for immersive installations. The work analyses processes of power & science fictions in historical archives critically engaging in migrational struggles and colonial memory. The artist creates environments for alternative narratives and future speculations of colonial resistance movements led by African women of the German, British and French diaspora and indigenous communities. Sedimented in narratives of testimonial Black queer experiences of sonic nature archives, revolt, queering ecologies and postcolonial feminist experiences towards new monuments which reacts to the different tones of societies shared between delusions & ritual. The work offers complex non-binary readings pushing  new investigations about the architectures of racisms in cities, the archeologies of urban spaces & economies of traditional systems by exposing the limitations of technologies as functional memory records.

Rehema Chachage is a visual artist whose practice can be viewed as a performative archive which untraditionally collects stories, rituals and other oral traditions in different media (performance, photography, video, text as well as physical installations); which traces hi/stories directly tied to women in the Swahili region; and, which employs written texts, oral and aural stories, melodies, and relics from several re-enacted/performed rituals as source of research.

She holds a BA in Fine Art (2009) from Michaelis School of Fine Art, University of Cape Town; and an MA Contemporary Art Theory (2018) from Goldsmiths, University of London. Currently she is pursuing her PhD in Practice from the Academy of Fine Art in Vienna where her research focus is on the archive and its methodologies, specifically observing ways of doing the archive differently through one’s practice as an artist.

Wanja Kimani is a visual artist and writer based in Cambridgeshire, UK. Through film, textiles and installation, her work explores memory, trauma and the fluidity within social structures that are designed to care and protect, but mutate into coercive forces within society. She imposes elements of her own life into public spaces, creating a personal narrative where she is both author and character. Her work has been exhibited internationally. In 2018, her performance, ‘Expectations’ was included in the Laboratoire Agit’Art presentation during Dak’Art Biennale of Contemporary African Art. In 2019, she presented her work at Art Dubai and as part of a group show, ‘Yesterday is Today’s Memory’ at Espace Commines, Paris, France.

Michèle Magema, born in Kinshasa in 1977, is a Congolese-French video, performance, and photography artist. She was born in Kinshasa, Democratic Republic of Congo in 1977. She emigrated to Paris, France in 1984, and currently resides in Nevers.

Fatima Mazmouz Nata il 2 maggio 1974 a Casablanca, in Marocco, è un fotografo, artista visivo, concettuale. La sua produzione artistica, LES VENTRES DU SILENCE, Pouvoirs et contre Powers, si occupa principalmente delle varie lotte di potere implicite e invisibili radicate nelle nostre società giudaico-cristiane e arabo-musulmane. Il suo lavoro traduce così la storia dell’emancipazione attraverso un profondo impegno per le libertà individuali. Con il progetto Super Oum e The Broken Body, l’artista si inserisce in una lotta femminista in un contesto post-coloniale per una lotta alla discriminazione razziale e per i diritti delle donne (Diritto all’aborto per tutti).

Myriam Mihindou grew up in Gabon with a French mother and a Gabonese father, before going into exile in France in the late 1980s. After a degree in architecture, she joined the school of fine arts in Bordeaux. Suffering from aphasia, a disorder of spoken and written language, she was at the time looking for a means of expression. Working initially on sculpture and forging, Joseph Beuys and Ana Mendieta encouraged her to direct her plastic exploration in nature through ritualized actions with organic materials (earth, water, sun, paraffin, kaolin and tea). She graduated in 1993, developing a multidisciplinary plastic language, working as well in photography as in performance, video, drawing and sculpture. Her experience of travelling many countries including from Gabon to Reunion Island, from Egypt to Morocco, her works was nourished by these geographical and cultural encounters. Highly autobiographical, her creative processes probes memory, identity, the social, political and sexual body themes.

Rezaire defines as “Franco-Guyano-Danish”. She grew up in Paris and studied there, as well as in Copenhagen and London, where she did a master’s degree at the Central Saint Martins College of Art and Design. She then lived in Paris, Mozambique and Johannesburg from 2014. In 2017, she was welcomed in residence by MeetFactory in Prague, where she began working on sound.

Born in 1970 in Lomé, Togo. He lives and works in both Aubervilliers and Lomé.

Clay Apenouvon participated in painting, graphic arts and screen-printing workshops in Togo before moving to Paris where he continued his initiation with the artists Claude Viallat and Mounir Fatmi.
After exploring cardboard as a material, he developed the concept ‘Plastic Attack’ to raise public awareness of the harmfulness of plastic. More recently with the Film noir de Lampedusa (2015), he denounced the indifference of Europe faced with the tragedy of illegal immigration. He used black stretch film to create an exceptionally powerful and evocative in situ installation.

Clay Apenouvon exhibited his work at the 1:54 Contemporary African Art Fair in London (2015) and in the collective work Visibles / Invisibles, l’Afrique urbaine et ses marges at the Fondation Blachère, France (2015). For The Day That Comes, he will create an original work in situ.

Collettivo artistico, fondato nel 2011 da Giorgio Barrera, Andrea Botto e Marco Citron, lavora sull’immagine e sul costume dell’Italia oggi attraverso una nuova forma di racconto che attinge all’immaginariocollettivo, attivandolo e dotandolo di nuovi significati. Un ‘minestrone’ caustico e ironico di immagini e parole, che, partendo dal reale, produce libere narrazioni, incrociando politica, gossip e fatti di cronaca arrivando a nuovi contenuti, secondo criteri ispirati a quello che è stato definito ‘neorealitysmo’

Bernard Fort Co-fondatore e responsabile del GMVL (Groupe Musiques Vivantes de Lyon) insegna composizione acusmatica alla Scuola Nazionale di Musica di Villeurbanne e dedica il resto del suo tempo alla composizione e all’ornitologia. Le sue opere musicali sono dedicate interamente al genere acusmatico per i concerti in situazioni plein air, per la danza e per il giovane pubblico. Nel suo lavoro si è sempre interessato alle zone di confine tra astrazione e raffigurazione, naturale e culturale. La sua ricerca si focalizza principalmente sui modi di rappresentazione della musica elettroacustica

Arno Rafael Minkkinen è un fotografo finlandese-americano. Dopo la laurea presso il Wagner College con un BA in letteratura inglese, ricopre l’incarico di copywriting in Madison Avenue. Tra i suoi scritti “Cosa succede dentro la tua mente può accadere all’interno di una macchina fotografica” (per le fotocamere Minolta) e “Jingle Bells” (per J & B Scotch). Dopo questa esperienza la sua attenzione si rivolge in maniera esclusiva alla fotografia. In un workshop con John Benson a Apeiron, Millerton, New York, nel settembre 1971 produce una serie di autoritratti nudi ispirati in parte dal lavoro della compianta Diane Arbus. Pochi anni dopo, studiando con Harry Callahan e Aaron Siskind alla Rhode Island School of Design, consegue l’MFA in fotografia. Nel corso del decennio successivo, intraprende la carriera di insegnante/curatore e di direttore creativo/copywriter. Minkkinen continua nel corso della sua vita a dedicare le sue energie e la ricerca fotografica all’autoritratto: nello specifico la sua attenzione si rivolge alle immagini non manipolate della figura umana nuda nel paesaggio naturale. Attualmente è docente di Arte presso l’Università del Massachusetts Lowell; ricopre inoltre un incarico come docente presso l’Università di Arte e design di Helsinki e alla facoltà del Maine Media College in Rockport, Maine. Ha pubblicato ed esposto in tutto il mondo, i suoi lavori sono presenti nelle collezioni del Museum of Modern Art di New York, nel Museum of Fine Arts di Boston, presso l’Addison Gallery of American Art di Andover, nel Musée d’Art Moderne de la Ville di Parigi e Centre Georges Pompidou di Parigi, presso il Musée de l’Elysée di Losanna, nel Center for creative Fotografia in Tucson, al Tokyo Metropolitan Museum of photography in Giappone e in molti altri musei di calibro internazionale. Arno Rafael Minkkinen è stato insignito nel 1992 della medaglia di prima classe all’Ordine del Leone da parte del Governo Finlandese, e del Premio Finnish State Art in Fotografia nel 2006. Attualmente è membro del Consiglio Nazionale della Society for Photographic Education.

Jay Wolke vive e lavora a Chicago, Illinois. Personali a lui dedicate sono state organizzate presso l’Art Institute di Chicago, il St. Louis Art Museum, Harvard University, la California Museum of Photography, e la Galleria Primo Piano di Napoli. Tra le varie collezioni permanenti che espongono sue fotografie vi sono il Museum of Modern Art, New York, il Whitney Museum of American Art, New York, l’Art Institute of Chicago e il Museo di San Francisco di arte moderna. Dal 1981 è docente di fotografia e arte in varie università. Dal 1992-1999 è stato Coordinatore della laurea in Documentary Photography presso l’Istituto di Design (IIT). Nel 1999-2000 è stato responsabile della “Art and Graduate Studies” presso Studio Art Centers International di Firenze. Attualmente è docente di Fotografia presso la Columbia College di Chicago, ha ricoperto anche la carica di presidente del dipartimento di Arte e Design anche nei periodi 2000-2005 e 2008-2014. Wolke ha ricevuto borse di studio e premi dalla National Endowment for the Arts, l’Arts Council Illinois, Focus Infinity Fund and the Ruttenberg Arts Foundation. Wolke ha conseguito il suo B.F.A. in Printmaking / Illustrazione presso la Washington University, St. Louis, e un M.S. in Fotografia presso l’Istituto di Design, Illinois Institute of Technology, Chicago. Ha pubblicato alcune monografie come “All Around the House: Photographs of American- Jewish Communal Life” (Art Institute of Chicago, 1998), “Along the Divide: Photographs of the Dan Ryan Expressway” (Center for American Places, 2004) e “Architecture of Resignation: Photographs from the Mezzogiorno” (Center for American Places, 2011). Le sue fotografie sono apparse in numerose pubblicazioni tra cui il New York Times Magazine, Doubletake, Architectural Record, Newsweek, Fortune, e il Village Voice.

Nato a Como, Massimo Vitali si trasferisce a Londra dopo il liceo, dove studia fotografia alla London College of Printing. Nei primi anni Sessanta lavora come fotoreporter, collaborando con molte riviste e agenzie in Italia e in Europa. In questo periodo di intenso lavoro incontra Simon Guttmann, fondatore dell’agenzia Report, fondamentale per la sua crescita come “Concerned Photographer”. All’inizio degli anni Ottanta una crescente sfiducia nella convinzione che “la fotografia abbia avuto una capacità assoluta di riprodurre le sfumature della realtà” porta Vitali a intraprendere un cambiamento nella sua carriera. Lavora come direttore della fotografia per la televisione e il cinema, tuttavia, il suo legame con la fotocamera rimane e la fotografia diviene per lui mezzo di ricerca artistica. La sua serie di panorami balneari italiani è iniziata alla luce dei radicali cambiamenti politici in Italia. Vitali osserva con attenzione le realtà italiane dipingendo una “visione clinica e compiacente di normalità italiane”. Nel corso degli ultimi 12 anni sviluppa un nuovo approccio per ritrarre il mondo, “illuminando l’apoteosi della Mandria”, esprimendo e commentando attraverso le più intriganti, forme palpabili di arte contemporanea.

Born in Penbury (UK) in 1970, Robert Pettena spent a large part of his youth and adolescence between Brixton (London) and San Giovenale (Reggello, Italy). In 1990 he moved to Florence, where he attended the Accademia di Belle Arti.

Robert Pettena is an artist-cum-traveller probing the wonders and inconsistencies of the world, seizing conflicting aspects of reality in a manner both poetic and a provocative.
Alongside photography, video-art and installations, his work includes performances and site-specific projects involving other players besides himself, often hailing from the artistic underground in which Pettena has identified a potential and an energy that he transfers and channels into a variety of situations, sparking a short-circuit in his audience’s senses. His art can be both massive and “destructive”, like his excavation inside the Gum studio in Carrara, or minimal, like his insertion of a record player into the desolate panorama of the artificial lake of Santa Barbara, entitled Alla conquista dell’inutile [Conquering the Pointless].

He has taken part in numerous collective exhibitions both in Italy and abroad, including: Watou Poëziezomer 2001 Een lege plek om te blijven, curated by Pier Luigi Tazzi and Ann Demeester, Watou (Belgium) 2001; Palazzo delle Libertà, curated by Lorenzo Fusi and Marco Pierini, Palazzo delle Papesse, Siena, 2003; Fuori uso, curated by Luca Beatrice, Pescara 2004; The Food Show: The Hungry Eye, curated by Robert G. Edelman and Gina Fiore, Chelsea Art Museum, New York (USA) 2006; Pan Screening, Art Radio Live, WPS1. ORG Broadcasts, Biennale di Venezia, Venice 2007; Rites de Passage, curated by Pier Luigi Tazzi, Schunck, Glaspaleis, Heerlen, Netherlands 2009, and Jump into the UnKnown, Future Rhythms curated by Mike Watson, side event of the 56th Biennale Internazionale d’Arte of Venice 2015, and Florenz Contemporary, curated by Angelika Stepken Embassy of Italy, Berlin 2015. A sweeping anthological exhibition of his work was held in several different sites in the historic centre of Prato in 2008: Second Escape, curated by Pier Luigi Tazzi. His most recent personal exhibitions in 2014 include: Robert Pettena Noble Explosion, curated by Marco Pierini, Galleria Civica of Modena; and in 2016: L’Enigma di Nobel curated by Valentina Gensini, PAC, Florence.

Laureata con lode nel 2012 alla University of Art & Design Linz (Austria), ricercatrice e artista concettuale, dal 2009 realizza installazioni e progetti site-specific combinando scultura, video e fotografia. L’espansione dello spazio, lo scetticismo verso il visibile e le sottili irritazioni del quotidiano forniscono lo stimolo per il suo modo concettuale di lavorare. Nel suo vocabolario artistico delle forme, esamina l’elemento di collegamento dell’astratto con la rappresentazione, lo storico con il contemporaneo, la natura rurale con l’architettura urbana. Premiata con riconoscimenti e produzioni internazionali, Katharina Loidl è stata artist-in-residence a Berlino, Marsiglia, Berna (Stadtgalerie) e Algeri, in Indonesia (Sewon Art Space, Yogykarta) e Quebec (Sporobole-Centre en art actuel, Sherbrooke), ed ha realizzato progetti di arte pubblica in Austria. Sue opere sono state acquisite da istituzioni pubbliche e private in Austria e Canada.

1970 Born in Gunsan, South Korea

Lives and Works in Seoul

Following his first solo exhibition titled The Steel Sun in 2000, he co-organized Artistic Acts through Hacking(2001) – a ‘research group on art, society and media’ with contemporarian artists, organizers and media researchers – and Parasite-Tactical Media Networks(2004-2006), etc. and conducted research and artistic activities. Throughout the period, he released artworks raising aesthetic questions on art and society, including Flexible Landscape(2008, 2009), Extreme Private Practice(2010), Mutual Escape(2010) and Twin Peaks(2011). He also participated in such group exhibitions as Wrap Around the Time(Nam June Paik Art Center), The special project for the 20th anniversary of the Gwangju Biennale: “Sweet Dew – Since 1980”(The 5.18 Democracy Plaza, Gwangju), The Future is Now!(La Friche Belle de Mai, Marseille) and Bad Boys, Here and Now(Gyeonggi Museum of Modern Art). He was invited to Sungkok Art Museum in 2015 for being recognized as ‘Awardee of ‘Sungkok Artist of Tomorrow’ in 2013, organizing his solo exhibition – In My Sky at Twilight(2015). He recently participated in The International Studio Programme of Künstlerhaus Bethanien(Berlin), BilbaoArte AiR(Bilbao) and Glenfiddich AiR(Dufftown, Scotland).

Yongseok Oh is a Korean-born artist who emphasizes the crossing of the past and the present, and of the real and the imagined, by creating a visual collage of stills, moving images and cinemas. He explores the structure of the cinema and daily life and collapses a certain cinematic narrative through collage techniques.

He is a programmer and designer who explores the realm of art and technology. He has previously worked as a motion graphic designer in Seoul and New York. Drawn from these professional work experiences, his works focus on generative visuals for live performance, sound visualization and interactive narratives. Currently he is trying new visual experiences with new technologies such as spatial dimensions and narrative environment of augmented reality.

Lavora come artista, attrice e performer. Si forma nella scena del teatro di ricerca internazionale e nella prassi artistica di differenti linguaggi e strumenti privilegiando l’esplorazione della relazione corpo-spazio. Lavora attualmente costruendo dispositivi di partecipazione che hanno alla base l’indistinzione tra le arti ed una rinnovata relazione col quotidiano. E’ Docente di Performing Art presso differenti istituzioni nazionali ed europee. Nel 2002 è tra i fondatori del multiple-name Svarnet (selezione nazionale Es.terni 2007, finalista PREMIO EXTRA 2008). Vive tra l’italia e la Francia, dove collabora con le Centre d’Etude des Arts Contemporains (CEAC) e con l’Université de Lille 3, France; qui è parte dell’equipe de Le Jeu d’Orchestre, Recherche-action en art dans les lieux de privation de liberté (Lille 3, Esagramma, Hors Cadre). Nel Gennaio 2012 è fondatrice di STUDIOVUOTO – Studio di architettura che non costruisce, laboratorio transdisciplinare di studi e pratiche artistiche che chiama a sé artisti ed abitanti in progetti di attraversamento, mitopoiesi, e trasformazione del territorio a partire da processi condivisi di indagine e creazione. Valeria Muledda ha esposto e sviluppato progetti a Milano, Firenze, Venezia, Lille, Tallin, Londra, Basilea, Barcellona. Per Le Murate Progetti Arte Contemporanea ha prodotto, in collaborazione con Francesco Casciaro (Tempo Reale), l’installazione sonora site-specific per gli spazi dell’ex carcere duro delle Murate di Firenze Nuclei (Vitali). Immagine tratta da: Studio per una cena con R.M. , Valeria Muledda, 2013. Courtesy by Valeria Muledda.